Творчество А.Лосенко. Класицизм в русской живописи

Творчество Лосенко - важная страница в истории нашей отечественной культуры XVIII столетия. Лосенко был первым крупным русским историческим живописцем, блестящим рисовальщиком и портретистом, основателем русской художественной педагогики и воспитателем плеяды замечательных мастеров живописи.

В 1753 году Лосенко "за спадение голоса" был отчислен из певчих и, как проявивший особенный интерес к изобразительному искусству, отдан в обучение к И. П. Аргунову, одному из самых известных портретистов того времени. Через пять лет его перевели от Аргунова в новоучрежденную Академию художеств, а позднее отправили для усовершенствования за границу. В 1760 - 1762 годах Лосенко работал в Париже под руководством художника Ж. Рету. Первую половину 1763 года Лосенко провел в России, а затем снова уехал во Францию и занимался у Ж. М. Вьена, крупнейшего представителя искусства раннего классицизма. Французская Академия высоко оценила талант русского художника, удостоив его произведения, созданные за время пребывания и Париже, тремя серебряными медалями.

С конца 1765 года Лосенко живет в Риме. Здесь он изучает лучшие образцы итальянского искусства, создает самостоятельные композиции. Ранние произведения Лосенко свидетельствуют о мастерстве художника, сумевшего в период своей работы за границей изучить лучшее, что было создано искусством Запада ("Чудесный улов рыбы", 1762; "Андрей Первозванный", 1764; "Жертвоприношение Авраама", 1765; "Зевс и Фетида", 1769; "Каин" и "Авель", оба 1768). Вернувшись в 1769 году в Петербург, Лосенко выставил свои работы в Академии художеств. Они явились ярким свидетельством успехов национальной живописи.

Вскоре за картину "Владимир и Рогнеда" (1770) - первое большое произведение исторического жанра в русском искусстве - Лосенко получил звание академика и адъюнкт-профессора. Произведение ясно выражало осуждение деспотического произвола. Оно утверждало национальную тематику в русской исторической живописи, взамен обращения к античным или мифологическим темам. Вслед за "Владимиром и Рогнедой" художник начал работать над полотном "Прощание Гектора с Андромахой" (1773). Эта картина, сюжет которой был взят из "Илиады" Гомера, в духе классицизма трактовала тему гражданского долга.

Углубленный интерес к конкретному живому человеку, к передаче его духовного мира составил основную отличительную черту Лосенко-портретиста.В созданных Лосенко портретах деятелей русской культуры (И. И. Шувалова, А. П. Сумарокова, Я. Шуйского, 1760; Ф. Г. Волкова, 1763, и др.) особенно ярко проявились национальные тенденции творчества художника. Уже при жизни Лосенко снискал славу одного из лучших европейских рисовальщиков. Он явился создателем русской школы рисунка, достигшей блестящего расцвета в первой половине XIX века.

В 1772 году Лосенко стал директором Академии художеств. Возглавив Академию, он сразу столкнулся с интригами, бездушием, с унизительной зависимостью от придворных кругов.

В живописи и скульптуре, так же как и в литературе, приверженцы классицизма провозглашали образцом для подражания античное искусство, откуда ими черпались темы, сюжетные ситуации, герои. В художественных произведениях воплощались и основные тенденции классицизма: утверждение идей монархической государственности, патриотизма, преданности государю, приоритета общественного долга, преодоление личных интересов и чувств во имя долга перед страной, государем. В античных образцах художникам виделись примеры человеческой красоты и величия. Живопись и скульптура стремились к лаконизму рассказа, пластической ясности и красоте формы. В то же время для них были обязательны, так же как и в других сферах искусства, определенные каноны художественного изображения. Так, избирая сюжет из античной мифологии или Библии, художник строил композицию таким образом, чтобы главное действие обязательно находилось на переднем плане. Оно воплощалось в группе фигур, обнаженных или одетых в просторные античные одеяния. Чувства и действия изображаемых лиц проявлялись в телодвижениях, тоже условных. Например, чтобы выразить стыд или печаль, голову героя рекомендовалось склонить вниз, если сострадание — набок, повеление — поднять вверх.

Каждый персонаж картины олицетворял определенное человеческое качество — верность, нежность, прямодушие или коварство, храбрость, жестокость и т. п. Однако независимо от того, выразителем какого свойства было то или иное лицо, фигура его и движения должны были соответствовать античным канонам красоты.

со второй четверти XIX века, когда в России после подавления восстания декабристов надолго устанавливается правительственная реакция, возвышенные гражданские идеи классицизма получают иное, официальное переосмысление в духе знаменитой уваровской триады — православия, самодержавия и народности. Ярким образчиком этого нового этапа классицистического изобразительного искусства является известная картина Бруни, маститого профессора, а потом ректора Академии художеств — «Медный змий». Драматический сюжет произведения почерпнут автором из библейской истории. Израильтяне, ведомые из плена Моисеем, возроптали на Бога и были наказаны за это дождем из змей. От гибели могли спастись лишь те, кто склонится перед фигурой Медного змия. Картина изображает тот момент, когда израильтяне, узнав о Божественном повелении, кинулись к статуе, здоровые помогают доползти до нее больным и престарелым, матери протягивают вперед детей. И лишь один — сомневавшийся и протестовавший — лежит поверженный, пораженный Божественной карой.

Так выявляется идейная сущность произведения — любой протест осужден свыше; только покорность и смирение угодны царям земным и небесным.

Постепенно классицизм, утративший высокий гражданский пафос, ветшает. С ростом общественного и демократического движения 30-40-х годов все большим анахронизмом выглядит постоянное обращение к античным образцам, упорное пренебрежение действительностью как грубой, недостойной искусства сферой. Условности классицистических произведений, воспринимавшиеся раньше как средство, усиливающее идейное содержание, теперь, при утрате высокой гражданственности произведения, колют глаза зрителям. Отсутствие глубокого содержания не могут компенсировать красота форм, безукоризненность рисунка, четкость композиции. Красивые, но холодные произведения мастеров этого направления утрачивают популярность. Классицизм, в русском изобразительном искусстве исчерпавший во второй четверти XIX века свои художественные и идейные возможности, выражается в так называемом академизме (выделено мною — Н. Я.), направлении, принятом Академией как единственная художественная школа.

27.Скульптура к.18 в. – п.тр. 19 в. Творчество Ф.Щедрина, Н.Пименова, В.Демут-Малиновского. (синтез искусств). Во вт. Пол 18 в. Начин наст расцвет в скульптуре.мужской образ – героичность, в женском- прекрасное, гармоничное. Наряду с монум- декорат пластикой в станковоцй скульпт развив и жанр портрета. Наивысшие достиж связ с творч Шубина «бюст голицына, павел 1». Фальконе «медный всадник», в 70-е рядрм с шубиным и фальконе работают гордеев «надгробие голицыной»; Козловский «памятник македонскому, суворову».

Феодо́сий Федорович Щедри́н (1751—1825), известный скульптор, представитель классицизма, профессор, ректор Академии художеств. За время обучения получил ряд отличий. В 1769 году получил вторую серебряную медаль, в 1770 году — малую золотую за барельеф «Посягательство Рогнеды на жизнь Владимира», в 1771 году — первую серебряную за рисунки с натуры. В 1772 году он получает большую золотую медаль за барельеф «Изяслава Мстиславйча, уязвленного, хотели убить любимые его воины, не знавши», выполненную в стиле русского барокко.

В 1773 году, как пенсионер Академии художеств, был командирован для продолжения обучения за границу. В течение года пробыл в Италии, сначала во Флоренции, затем в Риме, где им была выполнена статуя «Аполлон, вынимающий стрелу из колчана». В 1775 году по приказу Академии художеств, для продолжения образования, переехал в Париж, где и пробыл более десяти лет. Занятия скульптурой, весьма успешные, проводились под руководством Габриеля Аллегрена. На втором году обучения, в 1776 году, получил за статую «Марсия» от парижской Академии вторую золотую медаль. По просьбе Аллегрена командировка ему было продлена.

Вернувшись в Петербург в 1789 году, он занял место профессора скульптуры в Академии художеств. В 1794 году им выполнена значительное произведение «Венера, вышедшая из воды», приобретенная в 1797 году Павлом I за 7000 руб.

Щедриным выполнены ряд работ общественного назначения. Фигуры «Сирены» (1800-05) и «Реки» для Самсоновской террасы Петергофского сада, фигуры для Биржи, Адмиралтейства (совместно с И. И. Теребенёвым, архитекторы И. К. Коробов и А. Д. Захаров), в том числе «Кариатиды» (1812—1813); для Казанского собора, в том числе огромный горельеф: «Христос, ведомый к месту распятия» (1807). Выполнен ряд бюстов и отдельных скульптур: «Спящий Эндимион», бронза, 1779, «Фавн с Вакханкой», «Диана», «Венера» (1792), «Нарцисс», бюст А. Н. Нартова, мрамор, 1811. В форме медальерной пластики выполняет в 1811 году медаль «В честь открытия Полтавского монумента».

Николай Степанович Пименов (1812 — 1864) — русский скульптор. Представитель позднего классицизма, П. в своих произведениях (преимущественно станковые композиции, портреты, памятники) стремился внести в классицистическую скульптуру национальные и жанровые мотивы.

Николай Степанович был учителем многих известных скульпторов: М.М. Антокольского, М.А. Чижова, М.В. Харламова, Ф.Ф. Каменского, М.П. Попова, И.И. Подозерова, Н.А. Лаверецкого.

Кроме ваяния, Николай Степанович Пименов занимался (преимущественно во время пребывания своего в Италии) и живописью. В музее Академии художеств имеются две его картины — «Христос» и «Голова итальянца-монаха». В 1836 году на очередной выставке в Петербургской академии художеств появились две превосходно выполненные статуи необычной тематики для скульптуры того времени: «Парень, играющий в бабки» и «Парень, играющий в свайку». Их исполнили недавние выпускники Академии Николай Пименов и Александр Логановский. Работа молодых скульпторов получила достойную награду — Большую золотую медаль.

В 1837 году Николай Пименов, как получивший большую золотую медаль, был отправлен за казенный счет за границу. В этом же году, посетив некоторые города Германии, он отправился в Италию. В Риме и во Флоренции он изучал классическое искусство, много занимаясь лепкой с натуры. Здесь он познакомился с деятельностью ряда современных скульпторов.

В 1842 году Пименов создаёт статую «Мальчик, просящий милостыню». Статую отметил и живший в то время в Риме художник Александр Иванов. В 1844 году за это произведение Пименову присваивается звание академика.

Осенью 1850 года Пименов вернулся на родину. В Петербурге он работал над скульптурными композициями «Воскресение» и «Преображение». Отлив из бронзы, их поместили в аттиках малых иконостасов внутри Исаакиевского собора. За исполнение этих композиций Пименову в 1854 году присвоили звание профессора. Вскоре был назначен на должность штатного профессора скульптуры Академии художеств.

Василий Иванович Демут-Малиновский (1779—1846) — русский скульптор, крупнейший представитель русского ампира, не раз обращавшийся к тематике Отечественной войны 1812 года[1]. Его монументальные произведения образуют ансамблевое единство с такими классицистическими доминантами Петербурга, как Казанский собор, арка Главного штаба, Нарвские ворота. Много работал в области надгробной пластики. С 1812 по 1814 годы Демут-Малиновский вёл активную деятельность: совместно с С. С. Пименовым работал над оформлением здания Главного Адмиралтейства. В этот же период создаёт ряд произведений, не связанных с архитектурой, в т.ч. статую «Русский Сцевола» (гипс, 1813), прославляющую подвиг русского крестьянина, против воли взятого на службу французами и в знак этого заклейменного латинской буквой N. Изображён отрубающим собственную руку с клеймом.

В это время он активно работал в области надгробной скульптуры. Он создал памятник Е. И. Барышниковой (1813; до 1990-х находился под юрисдикцией музея архитектуры Академии строительства и архитектуры СССР) и памятник А. Н. Воронихину (1814; Тихвинское кладбище, Некрополь XVIII века, Музей городской скульптуры).[1] В 1813 году скульптору было присвоено звание профессора.

В 1812-1814 годах Демут-Малиновский был приглашён на перестройку здания Главного Адмиралтейства. Он работал в сильном коллективе единомышленников — там работали скульпторы С. С. Пименов, Ф. Ф. Щедрин и других. Демут-Малиновским было исполнено 4, Пименовым - 8 статуй из пудостского камня; ни одна из них до нас не дошла. В 1860 году эти скульптуры были частью уничтожены, частью заменены копиями из листовой меди. Возведение здания возглавлял архитектор А. Д. Захаров.

 

28.Творчество Рериха (доревол. период). Николай Константинович Рерих занимает почетное место среди деятелей русской культуры. Он широко известен в мире как крупный художник, ученый, общественный деятель, оставивший после себя огромное наследие.

Всемирное признание и одобрение получил так называемый “Пакт Рериха”, легший в 1954 году в основу Международной конвенции о защите культурных ценностей в случае вооруженного конфликта.

За долгие годы своей жизни Рерих создал более семи тысяч картин. Они разошлись по всему миру. Уже в гимназические годы проявились его редкая одаренность и широта интересов. Он увлекался историей, географией, сочинял былины и сказы, рисовал.

Рериха манили к себе глухие, дремучие леса, гладь озера с густыми туманами, заросли камышей. Рано его внимание привлекли курганы. В последствии это отобразилось во многих его работах.

В 1893 году он окончил гимназию и одновременно сдал экзамены в университет и Академию художеств. По настоянию отца он поступил на юридический факультет.

Еще с большим увлечением он занимался в Академии художеств. С первых же дней учебы помимо классных заданий он пробовал самостоятельно работать над историческими композициями.

Первым, кто обратил на Рериха внимание и горячо поддержал его, был И. Репин. Также Рерих заинтересовал и Стасова, прежде всего своей тягой к русской истории, широтой своих творческих планов.

К осени 1895 года общий натурный класс был окончен, и Рерих поступил в мастерскую А. Куинджи. Куинджи оказал большое влияние на своего ученика. Он разбудил в нем новый дар - дар пейзажиста. Рерих, тонко чувствовавший природу, начинает много работать над пейзажными этюдами с натуры. Изменяется и строй его исторических полотен. В них теперь активнейшую роль играет пейзаж.

В 1897 году появилась первая картина серии - “Гонец. Восстал род на род”. Картина уносит воображение в далекие времена. Глубокая ночь. В этой картине поражает проникновение в старину, понимание духа исторической эпохи с ее характерными особенностями: типами и чувствами людей, напряженными моментами их жизни, пейзажем.

После окончания Академии художеств на протяжении многих лет Рерих с увлечением продолжал работать над серией “Начало Руси. Славяне”. Одна за другой появляются его картины, в которых он, по существу, одним из первых так широко и талантливо стал показывать мало еще изученный мир славянской Руси, и это выдвинуло его в ряды самобытных мастеров. Из ранних работ особенно интересны “Идолы” (1901) и “Заморские гости” (1901), исполненные во Франции, куда художник уехал осенью 1900 года для пополнения своего художественного образования. В свое время эти картины получили высокую оценку современников.

Помимо них Рерих за границей начинает картины “Предательница”, “Древнерусский город”, разрабатывает эскизы к двум большим панно “Княжая охота”. Возникают новые замыслы, один сменяет другой, и все они связаны с Древней Русью, с думами о родине. Но большим творческим планам сопутствует острая тоска по родине. И летом 1901 года художник покидает Францию.

По возвращении на родину Рерих еще больше углубляется в изучение русской старины. Эти годы полны напряженного творчества, завершения старого, поисков новых тем и художественных решений.

Одной из интереснейших работ этого времени стала картина “Зловещие” (1901). Тревожные, щемящие сердце предчувствия вызывает она у зрителей.

В 1902 году было создано другое значительное произведение - “Город строят”. От тревожных предчувствий, от “зловещих”, Рерих вновь возвращается к славянской Руси и ищет в ней жизненные идеалы, ответ на вопрос о судьбах народа. Поиски образов древней народной Руси, стремление к лаконичной декоративной манере письма сказались и в других произведениях этого времени: “Городок” (1902), “Строят ладьи” (1903), “Древняя жизнь”, “Бой Александра Невского с ярлом Биргером” (1904), “Славяне на Днепре” (1905).

Столь многообразны были устремления Рериха в ранний период творчества. Чрезвычайный интерес к родной истории, ко всему народному, национальному неустанно вел его к расширению знания, к поискам новых, неизвестных еще материалов.

В своих ранних произведениях Рерих показал новый, бывший до него мало известным в искусстве мир славянской Руси, раскрыл в яркой образной форме свое понимание древней эпохи

Обладая исключительно яркой индивидуальностью, Рерих очень рано вырос в интересного, самобытного художника. Рано определились и его общественные идеалы, его взгляды на высокое назначение искусства.

В 1900-х годах, особенно после революции 1905 - 1907 годов, Рерих всю страсть своей души, все помыслы направляет к будущему, призывает творить для народа, создавать искусство, насыщенное большими идеалами гуманизма.

Мечтами о новом искусстве, несущем людям радость и красоту, поисками этого искусства пронизаны и художественные устремления Рериха во второй период творчества. По-прежнему увлекаясь историей славянской Руси и создавая картины на эти темы, он обращается также теперь к самому древнему периоду - эпохе каменного века. Тщательно, с научной прозорливостью исследует он исторические материалы, производит археологические раскопки, собирает богатейшую коллекцию предметов этого времени. К 1916 году их насчитывается около 35 тысяч. Эта была одна из самых крупнейших в мире частных коллекций подобного рода.

В 1906 году было закончено монументальное панно “Бой”. Оно воспринимается как живописная поэма о бесстрашных викингах. Холодное северное море. “Бой”, пожалуй, было последнее произведение, исполненное маслянистыми красками. По технике письма и по содержанию оно как бы завершает собой первый период творчества Рериха. Постепенно в искусстве Рериха этого периода все большее место начинают занимать образы народных сказок.

29. Творчество И. Левитана. Иса́ак Ильи́ч Левита́н (1860 год —1900) — русский художник, мастер «пейзажа настроения».

Художественное училище (1873—1885). Его учителями были художники Перов, Саврасов и Поленов.

Художник учился тогда в четвёртом «натурном» классе у Василия Перова. Друг Перова, Алексей Саврасов, обратил внимание на Левитана и взял его к себе в пейзажный класс. В марте 1877 две работы Левитана, экспонировавшиеся на выставке, были отмечены прессой, а шестнадцатилетний художник получил малую серебряную медаль и 220 рублей «для возможности продолжить занятия».

В летние месяцы 1880—1884 он писал с натуры в Останкино. К этому времени относятся работы: «Дубовая роща. Осень» (1880, Нижегородский художественный музей), «Дуб» (1880, Третьяковская галерея), «Сосны» (1880, частное собрание), «Полустанок» (нач.1880-х, Дом-музей И.Левитана в Плёсе), Художник создаёт пейзажи в Саввинской слободе под Звенигородом: «Последний снег. Саввинская слобода» (1884, Третьяковка), «Мостик. Саввинская слобода» (1884, Третьяковка).

Знакомство с Чеховыми

Левитан вышел из Московского училища живописи и ваяния без диплома. Денег не было

В середине 1880-х годов улучшилось материальное положение художника. Однако голодное детство, беспокойная жизнь, напряженный труд сказались на здоровье — у него резко обострилась болезнь сердца. Поездка в 1886 году в Крым укрепила силы. По возвращении Левитан организует выставку пятидесяти пейзажей.

Волга, Плёс, Европа (1887—1890), Над вечным покоем (1894)

В 1887 художник, наконец, осуществил свою мечту: он отправился на Волгу, которую так проникновенно изображал его любимый учитель Саврасов Первая встреча с Волгой не удовлетворила живописца. Стояла холодная, пасмурная погода, и река показалась ему «тоскливой и мертвой».

На следующий год он снова решил ехать на Волгу. Весной 1888 Левитан вместе с друзьями-художниками Алексеем Степановым и Софьей Кувшинниковой отправился на пароходе по Оке до Нижнего Новгорода и далее вверх по Волге. Во время путешествия они неожиданно для себя открыли красоты маленького, тихого городка Плёс. Они решили задержаться и пожить там некоторое время. В итоге Левитан провел в Плёсе три чрезвычайно продуктивных летних сезона (1888—1890).

Около 200 работ, выполненных им за три лета в Плёсе, принесли Левитану широкую известность, а Плёс стал очень популярен у пейзажистов.

Существует мнение, что картина «Над вечным покоем» является «самой русской» из всех, когда-либо написанных на русскую тему картин.

Передвижники, высылка из Москвы. В марте 1891 года Исаак Левитан стал членом Товарищества передвижных художественных выставок. Московский меценат Сергей Морозов, увлечённый живописью и друживший с Левитаном, предоставил художнику очень удобную мастерскую в Трёхсвятительском переулке.

К весне 1892 года Левитан закончил картину «Осень» (начатую ещё осенью 1891) и выставил её на ХХ Передвижной выставке вместе с ещё тремя картинами «У омута», «Лето» и «Октябрь».

В 1892 году Левитан как «некрещёный еврей» был вынужден покинуть Москву (выселению в 24 часа подверглись все евреи) и некоторое время жил в Тверской и Владимирской губерниях. Затем, благодаря хлопотам друзей, художнику «в виде исключения» позволили вернуться. К этому периоду относится его полотно «Владимирка» (1892), где изображена дорога, по которой гнали в Сибирь каторжан.

В 1895 году художник совершил поездку в Австрию и во Францию. В середине марта 1895 Левитан снова приехал в Горку. Именно тогда за несколько сеансов он написал с дома Турчаниновых знаменитую картину «Март».

В августе Левитан написал «Ненюфары», а осенью на р. Съеже в полукилометре от усадьбы — «Золотую осень».

Также в 1895 году Левитан переписал картину «Свежий ветер. Волга».

Картины Левитана «Март», «Золотая осень», «Ненюфары» и другие купил П. М. Третьяков.

В 1896 в Одессе состоялась совместная выставка Исаака Левитана, Виктора Симова и Александра Попова.

Левитан на несколько недель ездил в Финляндию, где написал картины: «Крепость. Финляндия» (крепость Олавинлинна в Савонлинне), «Скалы, Финляндия», «Море. Финляндия», «Пунка-Харью. Финляндия» (в частном собрании). В 1897 художник закончил картину «Остатки былого. Сумерки. Финляндия».

Преподавание. Последние годы. В 1898 Левитану было присвоено звание академика пейзажной живописи. Он начал преподавать в том самом училище, в котором учился сам. Художник мечтал создать «Дом пейзажей» — большую мастерскую, в которой могли бы работать все русские пейзажисты.

Наиболее известные произведения: Осенний день. Сокольники (1879), Вечер на Волге (1888, Третьяковка), Вечер. Золотой Плёс (1889, Третьяковка), Золотая осень. Слободка (1889, Русский музей), Берёзовая роща (1889, Третьяковка), Март (1895,

30.Творчество В. Тропинина. Васи́лий Андре́евич Тропи́нин (1776—1857) — русский живописец, мастер романтического и реалистического портретов.

Около 1798 года Василий был отдан в обучение к кондитеру, однако, двоюродный брат графа Моркова убедил отдать, имеющего прирождённый талант и склонность к рисованию юношу, вольнослушателем в петербургскую Академию художеств. Здесь он занимался у С. С. Щукина. В 1804 году он был отозван в новое имение графа Моркова.

В 1823 в возрасте 47 лет художник наконец получает свободу. В сентябре 1823 он представляет Совету Петербургской АХ картины «Кружевница», «Нищий старик» и «Портрет художника Е. О. Скотникова» и получает звание назначенного художника. В 1824 за «Портрет К. А. Леберехта» ему присваивают звание академика.

Творчество

Первые работы художника относят к романтизму. Будучи в Санкт-Петербурге, он находился в среде горожан, мелких и средних помещиков, с которых позже и стал писать портреты, что привело его к реализму. Автор, в отличие от романтических портретистов, старался подчеркнуть типичность героев. Но в то же время он симпатизировал им, что выливалось в изображении внутренней привлекательности. С этой же целью Тропинин пытался не показывать явную социальную принадлежность людей.

Такие работы художника, как «Кружевница», «Гитарист» и др. относятся к «портрету-типу». Тропинин изображал конкретного человека, а через него старался показать все типичное для данного круга людей.

Затем художник поселился в Москве. После академической выставки он приобрел известность, круг его клиентов расширился. Тропинин писал портреты московских дворян, купцов, деятелей культуры, представителей простонародья. Вскоре Тропинин приобрел славу лучшего портретиста Москвы.

В творчестве Тропинина периода расцвета (1820-1830-е годы) наблюдается эволюция живописной манеры: колорит произведений приобретает насыщенность, форма становится более объемной. Усиливаются жанровые мотивы, характерные для всего искусства Тропинина. С годами начинают появляться реалистические тенденции, наиболее отчетливо проявившиеся на закате творчества художника.

Тропинин активно занимался общественной деятельностью. Он был почетным членом Московского художественного общества (с 1843 года), имел непосредственное отношение к созданию Московского училища живописи, ваяния и зодчества.

31. Объединение «Мир искусства» Мир искусства — художественное объединение, сформировавшееся в России в конце 1890-х. Под тем же названием выходил журнал, издававшийся с 1898 г. членами группы. Основателями «Мира искусств» стали петербургский художник А. Н. Бенуа и театральный деятель С. П. Дягилев.

Громко о себе заявило, организовав «Выставку русских и финляндских художников» в 1898 году в Музее центрального училища техники рисования барона А. Л. Штиглица.

Классический период в жизни объединения пришелся на 1900—1904 гг. — в это время для группы было характерно особое единство эстетических и идейных принципов. Художники устраивали выставки под эгидой журнала «Мир искусства».

После 1904 г. объединение расширилось и утратило идейное единство. В 1904—1910 гг. большинство членов «Мира искусства» входило в состав Союза русских художников. После революции многие его деятели были вынуждены эмигрировать. Объединение фактически прекратило существование в 1924 г.

Характеристика: Художники «Мира искусства» считали приоритетным эстетическое начало в искусстве и стремились к модерну и символизму, противясь идеям передвижников. Искусство, по их мнению, должно выражать личность художника. В состав объединения входили художники: Бакст, Рерих, Добужинский, Лансере, Митрохин, Остроумова-Лебедева, Чемберс, Яковлев, Сомов,

Они устраивали собственные выставки, привлекая к участию в них западноевропейских мастеров. Важнейшая сторона деятельности «Мира искусства»— возрождение интереса к забытым страницам русской культуры XVIII и начала XIX в.: организуются ретроспективные выставки старого искусства, систематически публикуются статьи и монографии, посвященные мастерам того времени, выпускается специальное издание «Художественные сокровища России». «Мир искусства» отстаивал свободу индивидуального самопроявления в искусстве. Всё, что любит и чему поклоняется художник в прошлом и настоящем, имеет право быть воплощенным в искусстве, независимо от злобы дня — такова эстетическая программа объединения. При этом единственным чистым источником творческого энтузиазма признавалась красота, а современный буржуазный мир, по мнению художников «Мира искусства», красоты лишен. Поэтому в собственном творчестве «мирискусники» выступают интерпретаторами красоты, закрепленной в памятниках искусства прошлых эпох. Жизнь интересует их лишь постольку, поскольку она уже выразила себя в искусстве. Ведущим в живописи «Мира искусства» стал историко-бытовой жанр.

Почти все художники «Мира искусства»— прекрасные иллюстраторы. Классические образцы — иллюстрации А. Н. Бенуа к «Медному всаднику» А. С. Пушкина (1903—1922), Е. Е. Лансере к «Хаджи-Мурату» Л. Н. Толстого (1912—1937), позднее — М. В. Добужинского к «Белым ночам» Ф. М. Достоевского (1922).

1910-е годы — время расцвета театрально-декорационной деятельности «Мира искусства». Он связан с организованными С. П. Дягилевым «Русскими сезонами» в Париже, включавшими целую серию оперных и балетных постановок, к которым были привлечены самые крупные силы русского искусства Ф. И. Шаляпин, Анна Павлова, В. Нижинский, балетмейстер М. Фокин и другие.

В середине 1900-х гг. «Мир искусства» прекращает выставочную и издательскую деятельность. В 1910 г. «Мир искусства» восстанавливается, но уже исключительно как выставочная организация, не скрепленная, как прежде, единством творческой программы и объединяющая художников самых различных направлений.

Однако некоторые художники нового поколения, видоизменяя, наследуют и продолжают традиции прежнего «Мира искусства». К ним относятся графики Г. И. Нарбут, Д. И. Митрохин, живописцы Н. К. Рерих, Б. М. Кустодиев и другие.

Последняя выставка «Мира искусства» состоялась в 1922 г. Высокая графическая культура, необычайно широкая осведомленность в различных областях художественного быта и искусства прошедших исторических эпох, тонкий художественный вкус — наиболее, ценные черты творчества «Мира искусства», сохраняющие свое значение и влияние до нынешних дней, особенно для театрально-декорационного искусства и книжной иллюстрации.

32.Живопись сер.18 в. Творчество Аргунова, Антропова, Вишнякова. В сер века по-прежнему трудились иностранные мастера. Это были в основном худ работавшие в стиле рококо, например Ротари. Худ сер века не кчились за границей, они учились по старинке, сохряняя традиции старой русск живописи.

Ива́н Я́ковлевич Вишняко́в (1699—1761) — знаменитый русский художник-портретист, монументалист, декоратор, один из представителей светского портрета в стиле рококо. Под его наблюдением украшались росписями многие дворцы Петербурга и его пригородов, церкви, триумфальные ворота. И. Я. Вишняков и работавшие под его руководством ученики (наиболее известны А. П. Антропов, И. И. и А. И. Вельские, И. И. Вишняков, И. Скородумов, И. Фирсов и др.) расписывали Зимний и Петергофский, частично Летний и Аничков дворцы, церковь Зимнего дворца и некоторые другие здания.

И. Я. Вишняков писал также портреты и иконы, реставрировал картины, производил экспертизу произведений русских и иностранных мастеров (в том числе Ж. Б. Лепренса и С. Торелли).Среди наиболее известных работ И. Я. Вишнякова — портреты Сарры Элеоноры и Вильгельма Георга Фермор, портрет императрицы Елизаветы Петровны (1743, Третьяковская галерея, Москва). Несмотря на соблюдение условностей придворного искусства, застылость и плоскостность фигур, в них проявляется поэтичное и безыскусственное восприятие художником натуры. Он смог соединить в своих произведениях восторг перед богадством вещного мира и высокое чувство монументальности.

Алексе́й Петро́вич Антро́пов (1716—1795) — русский живописец, представитель стиля барокко, один из первых в стране художников, начавших писать светские портреты. Алексей также учился в Канцелярии от строений в Петербурге у своего родственника А. М. Матвеева, с 1739 г. работал там же в «живописной команде» у И. Я. Вишнякова.

В 1742 г. Антропов участвует, в качестве художника, в коронационных торжествах императрицы Елизаветы в Москве. В Петербурге он пишет картины для триумфальных ворот в Аничковой слободе; участвует в росписях плафона и создании икон для Зимнего дворца, под руководством Дж. Валериани работает в Летнем дворце, в Царском Селе, в Петергофе, Аничковом дворце. Под началом Валериани и Перезинотти Антропов создаёт декорации для Оперного дома.

В 1752 г. он получает самостоятельный заказ на «письмо икон в куполе и прочих местах нового храма Андрея Первозванного», только что построенного в Киеве архитектором Мичуриным по проекту Растрелли. Наиболее значительна из его росписей собора монументальная «Тайная вечеря» — запрестольный алтарный образ.

Алексей Антропов имел собственную художественную студию. Композиция его портретов статична. Изображ фигур – плокостно.

Ива́н Петро́вич Аргуно́в (1729—1802, Москва) — русский живописец, портретист. Работал в Москве, Петербурге, в пригородах — Останкино, Кусково.Автор целого ряда превосходных парадных и камерных портретов.Известность Аргунову принесли портреты петербургской знати, например, П. Б. Шереметева. Художник не идеализирует внешность модели, он смело передает и косящие глаза, и некоторую одутловатость лица. При этом обращает на себя внимание мастерское владение художником кистью в передаче фактуры, изысканность теней.

В 1762 году И. П. Аргунов получил ответственный заказ — создание портрета императрицы Екатерины II. Портрет выполнен в традициях парадного портрета. Монаршая особа показана в подчеркнуто театральной позе, взгляд её направлен на зрителя сверху вниз. Аргунов тщательно выписывает пышный антураж (фрагмент колонны, роскошные драпировки, золоченые детали мебели, регалии).

Одними из лучших произведений мастера по праву считаются камерные парные портреты К. А. Хрипунова и его супруги. Оба супруга изображены едва оторвавшимися от чтения, взгляд (внимательный, добрый Хрипуновой и испытывающий, умный её мужа) направлен на зрителя. Укрупнённое изображение моделей в интимной обстановке создаёт особую близость героев зрителю.

Особое место в творческом наследии мастера занимают детские и юношеские портреты: И. П. Аргунов убедительно передаёт возрастные и психологические особенности юных моделей. Художник пишет удивительно нежный, мягкий образ калмычки Аннушки. Девочка держит развёрнутую на зрителя гравюру с изображением её недавно скончавшейся хозяйки Варвары Алексеевны.

К наиболее часто репродуцируемым работам И. П. Аргунова относится «Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме».

 

33.Характеристика вт. Пол. – к. 18 в. Ранний классицизм и зрелый классицизм. Основание академии художеств. Ведущим направлением академии станов – классицизм. Наиболее полно класиц. Выразил себя в арх и монум-декор пластике вт пол 18. Мастера – валлен-деламот, кокоринов – авторы проекта здания академии. Важнейшей гос задачей 60-80 было оформление набережных оснований. ринальди строит мраморный дворец. Баженов кремлевский дворец, дворцово-парковый ансамбль в царицыне.;дом пашкова. Казаков – здание сената в москве, старов – троицкий собор, таврический дворец. Так же начинается расцвет скульптуры.(вопрос 27). В живоп воплотился истор жанр. Античные и библейские сюжеты. – лосенко, соколов,. затем начин новый этап в разв историч живоп. Он связан с именем угрюмова, тема – борьба русского народа с кочевниками, с нем рыцарями. Наибольших успехов жив достиг в жанре портрета – рокотов (камерный портрет складывается), Левицкий создатель парадного портрета и великий мастер камерного портрета. Боровиковский – создает портреты в которых выражены черты ново направления в иск- сентиментализма. В посл трети 18 в. Приобрел черты самостоятельности пейзажный жанр – щедрин, ивнов. Русский пейзажный жанр к 18 развивался очень быстро. Были заложены основы нац школы пейзаж живоп.

34.«Медный всадник» Фальконе. Ме́дный вса́дник — памятник Петру I на Сенатской площади в Санкт-Петербурге. Памятник получил своё название благодаря знаменитой одноимённой поэме А. С. Пушкина, хотя на самом деле изготовлен из бронзы. Модель конной статуи Петра выполнена скульптором Фальконе в 1768—177