Символизм

Древнегреческим словом «символ» изначально называли монету, разделенную надвое. Однако с течением времени, символ из простого опознавательного знака превратился в одно из самых сложных, емких, глубоких понятий мировой культуры искусства и философии.

Символизм - одно из крупнейших направлений в искусстве, возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России.

Символисты использовали символики, недосказанность, намеки, таинственность, загадочность. Основным настроением символистов, являлся пессимизм, доходящий до отчаянья. Всё «природное» представлялось лишь «видимостью», не имеющей самостоятельного художественного значения.

Впервые заявили о себе русские живописцы-символисты в 1904 году в городе Саратов, где прошла выставка «Алая роза».

Выставка была открыта 27 апреля 1904 года в колонном зале Саратовского Дворянского собрания. Инициаторами выставки были учащиеся Московского училища ваяния и зодчества Павел Кузнецов и Пётр Уткин. Ещё в конце 1890-х годов Павел Кузнецов и Пётр Уткин объединили вокруг себя группу единомышленников. Вскоре после объединения их группа получила название Алая роза, причём роза была выбрана как символ чистоты и целостности.

На выставке экспонировались работы художников Анатолия Арапова, Николая Сапунова, Мартироса Сарьяна, Сергея Судейкина, Николая Феофилактова. Почётными участниками стали В. Э. Борисов-Мусатов и М. А. Врубель.

Именно Михаил Врубель стал первым символистом в русском искусстве. Могучая фантазия автора создавала причудливые мистические и поэтические образы, воплощение которых отличалось пластическим совершенством.

В основе врубелевского символизма лежал неоромантизм. Он освобождал художественный образ из-под власти бытовой реальности ради создания символа, вбирающего в себя большие человеческие чувства, страдания и надежды своего времени.

Врубель всегда мечтал об искусстве, устремленном к «стилю прекрасному», которое «должно будить душу от мелочей будничного величавыми образами», стремился к соединению правды и вымысла, реального и фантастического.

Например в полотне «К ночи» [см. приложение 1] обыденная сельская сцена превращена в ночную мистерию; автор стремиться выразить непознаваемую душу природы: горят красные цветы чертополоха, пасущиеся кони настороженны, когда к ним приближается загадочное существо.

Цветы - излюбленный объект художников символистов. Например у того же Врубеля в картине «Сирень» [см. приложение 2] передан особый символический смысл растений, стихия цветения, терпкий запах кустов с загадочной девичьей фигуркой, словно выросшей из сиреневого пейзажа.

Позже творчество символистов стало угасать, уступая свое место новым художественным стилям. Так в 1900 годах появляются первые модернисты.

Модерн – стиль, получивший распространение в Европе и США в 1890-1905 годах. Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (например, в архитектуре). Главный нерв модерна - культ красоты.

Общие характерные черты модерна это: культ линии и органической силы растений и орнаментов, акцент на национальном стиле страны, подчеркнутый растительный мотив, линейный декор или строгая композиция, имеющая строгую символику. «Визитной карточкой» этого стиля стала вышивка Германа Обриста «Удар бича» [см. приложение 3].

Распространению модерна способствовало проведение Всемирных выставок, на которых демонстрировались достижения современных технологий и прикладного искусства.

В развитии стиля участвовали и живописцы, увлеченные японским искусством, эффектом асимметрии, дерзкими разрывами в композиции. Характерно преобразование растительных мотивов, особая плавность форм, вытянутость фигур, подчеркнутость контуров, игра линиями.

Распространенный стереотип модерна – нимфа, русалка, принцесса и даже женщина-вамп. В нем как бы бессознательно пародируется средневековый культ прекрасной дамы, теперь главное не духовность, а чувственность, греховность и демоничность.

Ведущие представители модерна: О. Бердслей, А. Гауди, А. Муха, Ч. Макентош, А. де Тулуз-Лотрек, Э. Мунк и др.

Среди русских модернистов можно выделить две яркие личности: Бориса Кустодиева и Зинаиду Серебрякову.

Борис Михайлович Кустодиев известный живописец, мастер жанровых картин на темы народных гуляний, купеческого и патриархального быта.

Художник выявил русский вкус и национальную эстетику. Центральный образ Кустодиева - пышнотелая купчиха, в которой воплотились народные представления о прекрасном.

В картине «Купчихи» [см. приложение 4]изображены местные «царицы», которые пышут здоровьем и сытостью. Художник воплощает в них народные, сказочные представления о красоте. Так же в картине «Красавица» [см. приложение 5] мы вновь видим идеал женской красоты, воспетый в русских былинах и песнях. Он сочетал простоту сюжетов с размышлениями о национальной неповторимости, народном фольклоре.

Зинаида Серебрякова, так же как и Б. Кустодиев, внесла огромный вклад в разработку национального стиля. Она изображала крестьянские сюжеты в формах неоклассицизма. Современники называли её «дочерью серебряного века». Характерные особенности стиля Серебряковой: обобщенная выразительность силуэтов и четкие контуры, строгие цветовые сочетания и тяготение к монументальности.

Для нее были привлекательны образы «гармонически совершенного человека».

В картине «Купальщица» [см. приложение 6]показан культ человека во всей его не только духовной, но и физической, телесной красоте, как это было в искусстве Античности.

В картине «Баня» [см. приложение 7] разрабатываются мотивы пластики обнаженного женского тела, здоровья, естественности самобытных национальных образов.

В русской эстетике «модерн» означает исторически предшествовавший модернизму художественный стиль конца XIX — начала XX века, поэтому необходимо различать эти два понятия, с тем, чтобы избежать путаницы.

Модернизм — совокупность художественных направлений в искусстве второй половины девятнадцатого — середины двадцатого столетия. Наиболее значительными модернистскими тенденциями были импрессионизм, модерн, экспрессионизм, нео- ипостимпрессионизм, фовизм, кубизм, футуризм. А также более поздние течения — абстрактное искусство, дадаизм, сюрреализм.

В узком смысле модернизм рассматривается как ранняя ступень авангардизма, начало пересмотра классических традиций. Датой зарождения модернизма часто называют 1863 год — год открытия в Париже «Салона отверженных», куда принимались работы художников.

В широком смысле модернизм — «другое искусство», главной целью которого является создание оригинальных произведений, основанных на внутренней свободе и особом видении мира автором и несущих новые выразительные средства изобразительного языка.

Цель модернизма – самовыражение индивидуальности художника, т.е. выражение художественными средствами его чувств и настроений.

Ярчайшим представителем стиля модернизм, который у всех на слуху, К. С. Малевич. Беспредметность в живописи – главное открытие Малевича. Беспредметное искусство стремилось к созданию «чистой формы, освобожденной от предметной изобразительности». Труды К. Малевича «О новых системах в искусстве», «Супрематизм» послужил теоретической основой для новых авангардных исканий.

Одна из знаменитых картин Малевича «Черный квадрат» [см. приложение 8], самая обсуждаемая картина в русском искусстве. В этой работе художник исследовал возможности цвета и композиции. Картина входит в триптих, в составе которого так же присутствуют «Черный круг» [см. приложение 9] и «Черный крест» [см. приложение 10]. Искусство продолжает бурно развиваться, и не останавливается на достигнутом. Таким образом появился новый вид- посмодернизм.

Постмодерниизм (фр. postmodernisme — после модернизма) — термин, обозначающий структурно сходные явления в мировой общественной жизни и культуре второй половины XX века: он употребляется как для характеристики постнеклассического типа философствования, так и для комплекса стилей в художественном искусстве.

Проще говоря постмодерн — состояние современной культуры, включающее в себя своеобразную философскую позицию.

Постмодернистское искусство отказалось от попыток создания универсального канона со строгой иерархией эстетических ценностей и норм.

Единственной непререкаемой ценностью считается ничем не ограниченная свобода самовыражения художника, основывающегося на принципе «всё разрешено». Все остальные эстетические ценности относительны и условны. Они необязательны для создания художественного произведения, что делает возможным потенциальную универсальность постмодернистского искусства, его способность включить в себя всю палитру жизненных явлений, но также зачастую приводит к нигилизму, своеволию и абсурдности, подстраиванию критериев искусства к творческой фантазиихудожника, стиранию границ между искусством и другими сферами жизни.

Постмодерн в общем и целом не признает пафоса, он иронизирует над окружающим миром или над самим собой, тем самым спасая себя от пошлости.

В настоящее время уже можно говорить о постмодернизме как о сложившемся стиле искусства со своими типологическими признаками.

 

Заключение

В процессе изучения материала мы убедились в том, что двадцатый век был достаточно многолик. Именно в серебряном веке мы видим развитие изобразительного искусства во всех его проявлениях.

Художники вводят новые тенденции в изобразительном искусстве, что несомненно продвинуло нашу страну на уровень европейских стран за небольшой отрезок времени.

Мифологизированное мышление завоевало всё более прочные позиции в изобразительном искусстве. Расширение сферы его действия определило смену традиционных ориентиров, поворот от классического наследия к различным формам примитива, что позволяло автору по-своему преображать реальность.

Молодые художники, писавшие в стиле модерн, модернизм и постмодернизм, завоевали признание публики. Теперь невозможно представить наше изобразительное искусство без знаменитых картин Михаила Врубеля, Зинаиды Серебряковой и Константина Малевича.

Открываются всё больше художественных школ, издаются новые книги и пособия по изобразительному искусству.

В двадцать первом веке художники рисуют не только на бумаге, теперь холстом для творения может служить всё что угодно, начиная со стен домов и заканчивая человеческим телом.

Так же актуальны стали рисунки с помощью новых технологий, например рисунки лазером, светящимися красками и так далее.

Этот пример показывает то, что искусство не стоит на месте. Оно развивается всё быстрее и быстрее. Мы можем наблюдать, всё более оригинальные выставки молодых, талантливых художников, от которых захватывает дух и наталкивают на различные размышления.

 

Список литературы

1. «Все шедевры русской живописи». М: «Издательство «Олимп», «Издательство АСТ»,2001

2. «Изобразительное искусство. История зарубежной, русской и советской живописи: учебное пособие для вузов» Г. Л. Васильева-Шляпина. М: Академический проект; Фонд «Мир», 2007

3. «С веком наравне. Рассказы о картинах» том 2. Составитель Вл. Порудоминский. Издательство ЦК ВЛКОМ «Молодая гвардия», 1969