К теме: Инструментальная музыка

 

Букстехуде, Дитрих (1637–1707). Немецкий композитор, орагнист.Родился в 1637 году в Ольдесло в семье органиста. С детства занимался музыкой под руководством отца. С 1657 г. стал органистом в Хельсингборге (семья Букстехуде находилась тогда в Швеции), затем в 1660-1667 гг. - тоже органистом в Хельсингере (Дания). С 1668 года Букстехуде обосновался в Любеке, где и работал до конца жизни. С его именем связывается организация годовых церковных концертов в так называемых «Abendmusiken» (с 1673 года), которые проходили в последние пять воскресений перед рождеством. Букстехуде выступал перед городской аудиторией как органист, а также сам писал музыку для этих «музыкальных вечеров» (на которых исполнялись и разнообразные инструментальные произведения, и кантаты). Он умер в Любеке 9 мая 1707 года.

Вёрджинел (англ. virginal, от «virgin» — «дева», «барышня») — небольшой столообразный клавишный струнный музыкальный инструмент, разновидность клавесина с одним набором струн и одним мануалом (клавиатурой).

Вивальди, Антонио ( 1678-1741) Итальянский композитор. Родился 4 марта 1678 года в Венеции в семье скрипача из капеллы собора св. Марка, получил музыкальное образование под руководством отца. С юности приобрел известность как блистательный скрипач-виртуоз. В течение ряда лет (до 1718 г.) был связан с музыкальной жизнью Венеции, участвуя в ней как исполнитель, педагог-скрипач, дирижер оркестра, директор консерватории («Ospedale della Pieta», с 1713 г.) и необыкновенно плодовитый композитор. Вивальди принял сан аббата, хотя не был склонен к церковной жизни. В 1718-1722 гг. Вивальди работал в Мантуе при герцогском дворе, позднее вернулся в Венецию, откуда спустя некоторое время снова был вынужден уехать - на этот раз в Вену. В течение ряда лет он концертировал в различных городах Италии, в Париже и других европейских центрах совместно с певицей Анной Жиро и другими музыкантами. Умер Вивальди 28 июля 1741 года в Вене.

Виола – (итал. viola) тип старинных струнных смычковых музыкальных инструментов с ладами на грифе. Развился из испанской виуэлы. Из-за довольно крупного первоначального размера инструмента на виоле играли сидя, зажав её между ног или положив боком на бедро, – поэтому инструмент приобрёл название виола да гамба (итал. viola da gamba), то есть ножная виола. В дальнейшем появились разновидности виолы меньшего размера.

Каприччио (множественное число — каприччи) (итал. capriccio, буквально – каприз, прихоть), каприс (франц. caprice), блестящая виртуозная инструментальная пьеса свободной формы, нередко с причудливой сменой эпизодов, настроений. Первоначально К. были вокальными пьесами типа мадригала, на рубеже XVI-XVII вв. появились инструментальные каприччио полифонического склада, близкие к ричеркару,канцоне, фантазии токкате. Сольные каприччио позволяли исполнителю продемонстрировать богатство его фантазии.

Клавесин – щипковый клавишный инструмент, струны которого приводятся в колебание щипком при помощи стерженьков из птичьих перьев. Популярность клавесина началась в Европе с конца XV в. Его использовали в качестве солирующего или аккомпанирующего инструмента в составе оркестра. Если у клавесина есть две клавиатуры (два мануала), то они могут управлять тремя наборами струн и могут применяться в самых различных комбинациях для изменения громкости и тембра. Наличие двух клавиатур позволяет исполнителю играть мелодию на одном мануале и аккомпанировать самому себе на другом.Разновидности: спинет, клавикорд, вёрджинел.

Концерт (итал. concerto, лат. Concertus согласие или сотязание) — музыкальное сочинение, написанное для одного или нескольких инструментов, с аккомпанементом оркестра, с целью дать возможность солистам показать свою виртуозность в «соревновании» с оркестром. Концерт, написанный для 2-х инструментов, называется двойным, для 3-х — тройным. Первое упоминание названия в XVI в (Коцерты А. и Дж. Габриэли 1587).

Concerto grosso (итал. «большой концерт») – жанровая разновидность концерта, в основе лежит принцип чередования всего состава исполнителей (tutti) и группы солистов (concertino).

Корелли, Арканджело (1653–1713). Итальянский композитор, скрипач, педагог. Он учился игре на скрипке под руководством Джованни Бенвенути. Корелли был избран членом болонской «академии филармоников». В начале 1670-х гг. переехал в Рим, где и прожил до конца жизни. В Риме он изучил контрапункт под руководством Маттео Симонелли. Музыкальная деятельность Корелли началась в церкви (скрипач в капелле), затем продолжалась в оперном театре Капраника (капельмейстер). С 1681 г. Корелли начал публиковать свои сочинения: до 1694 вышли четыре сборника его трио-сонат, которые принесли ему широкую известность. С 1687 по 1690 гг. возглавлял капеллы кардиналов Б. Панфили и П. Оттобони..В 1700 г. был опубликован сборник сонат Корелли для скрипки с сопровождением. С 1710 г. музыкант перестал выступать в концертах и сосредоточился на педагогической деятельностиюСкончался Корелли в Риме 8 января 1713 года. 12 его концертов (concerti grossi) вышли в свет уже посмертно в 1714 году.

Куперен, Луи (1626-1661).Луи Куперен - первый прославившийся представитель музыкальной династии Куперенов. Он был разносторонним музыкантом: клавесинистом, органистом, исполнителем на скрипке и виоле. Занимая должность органиста в одной из парижских церквей, играл также в оркестре при постановках балетов Люлли.

Куперен, Франсуа (1668-1733). Французский композитор. Родился 10 ноября 1668 в Париже в потомственной музыкальной семье церковного органиста Шарля Куперена. Его, первым учителем его был отец; затем музыкальные занятия продолжались под руководством органиста Ж. Томлена. В 1685 г. Франсуа Куперен занял должность органиста в церкви Сен-Жерве, где ранее работали его дед Луи Куперен и отец. С 1693 г. началась также деятельность Франсуа Куперена при королевском дворе - как педагога, затем органиста придворной капеллы, камер-музыканта (клавесиниста). Одновременно он не оставлял частных уроков и сохранял за собой должность органиста в церкви Сен-Жерве. Хотя прижизненная и посмертная слава Куперена связана в основном с его заслугами композитора-клавесиниста, им написано немало произведений для камерного ансамбля (концерты, трио-сонаты), а среди его духовных сочинений есть две органные мессы, мотеты и так называемые «Lecons des Tenebres» («Ночные чтения»). Около 1730 г. он оставил свою работу при дворе и в церкви. Его должность придворного клавесиниста перешла к младшей дочери Маргарите-Антуанетте, одаренной исполнительнице. Скончался Куперен 12 сентября 1733 года в Париже.

Орган – клавишно-духовой музыкальный инструмент, самый большой и сложный из существующих инструментов. Cостоит как бы из трех и более органов, причем исполнитель может управлять одновременно всеми. Каждый из органов, входящих в состав такого «большого органа», имеет свои регистры (наборы труб) и свою клавиатуру (мануал). Трубы, выстроенные в ряды, располагаются во внутренних помещениях (камерах) органа; часть труб может быть видна, но в принципе все трубы скрыты за фасадом (проспектом), состоящим частично из декоративных труб. Органист сидит за т.н. шпильтишем (кафедрой), перед ним – клавиатуры (мануалы) органа, расположенные террасами одна над другой, а под ногами – педальная клавиатура.

Пахельбель, Иоганн (1653-1706). Иоганн Пахельбель родился около 1 сентября 1653 года в Нюрнберге в семье виноторговца. С детства проявил способности и интерес к музыке. В 1669 г. посещал лекции в Альтдорфском университете. В 1673 году молодой Пахельбель перебрался в Вену, где, возможно, стал помощником органиста в соборе св. Стефана. В 1677 г. Пахельбеля пригласили в Эйзенах на должность придворного органиста. С 1678 г. Пахельбель обосновался в Эрфурте, где работал органистом в церкви, создал множество произведений (в том числе для органа) и выдвинулся как авторитетный педагог. Иоганн Кристоф, старший брат И. С. Баха, тогда в течение трех лет был учеником Пахельбеля. В 1690 г. Пахельбель недолго пробыл в Штутгарте как придворный музыкант и органист герцогини, а затем до 1695 года занимал должность городского органиста в Готе. Весной 1695 г. он вернулся в родной Нюрнберг. Он скончался в Нюрнберге 3 марта 1706 года.

Ричеркар (итал. ricercar, от ricercare - искать) – жанр инструментальной музыки. Возник в XVI в. Ранние образцы ричеркара – небольшие импровизационные пьесы (типа интонаций и преамбул), преимущественно аккордового склада, с краткими пассажными фрагментами, дошедшие в лютневых табулатурах. В 40-х гг. XVI в. появились полифонические ричеркары. Тематический материал и некоторые композиционные принципы в полифоническом ричеркаре могли заимствоваться из вокальной музыки (многотемные ричеркары в мотетной музыке). В ричеркаре откристаллизовалась однотемная имитационная форма подготовившая форму фуги. В однотемных ричеркарах широко применялись приемы подвижного контрапункта, стретты, увеличение, уменьшение, обращение темы. Тонико-доминантовые соотношения определяли не только начальный экспозиционный раздел ричеркара, но и всю форму в целом. Интермедии для ричеркара (в отличие от фуги) не характерны. В XVII в. некоторые ричеркары предварялись токкатами, намечая будущий полифонический цикл токката (прелюдия) – фуга; зародилась также форма сложной фуги (ричеркар “con quattro soggetti”). В дальнейшем ричеркары все более сближались с фугой и в XVIII в. были вытеснены ею из композиционной практики.

Свелинк Ян ( 1562–1621 ). Нидерландский композитор. Родился в мае 1562 года в Девентере в семье церковного органиста. В 1573 г. унаследовал должность отца. В 1584 г. Свелинк издал 18 пятиголосных chansons. Другие сборники chansons Свелинка были изданы в 1592 и 1593 гг. Позднее он сочинял мотеты, псалмы и другие духовные сочинения (в 1619 г. вышли из печати 37 мотетов под названием «Cantiones sacrae»). Наиболее ценная часть его наследия – сочинения для клавишных инструментов. Скончался Свелинк 16 октября 1621 года в Амстердаме.

Скрипка (итал. violino, фр. violon, нем. Violine или Geige) — смычковый струнный музыкальный инструмент высокого регистра. Имеет народное происхождение, современный вид приобрела в XVI веке, получила широкое распространение в XVII веке. Имеет четыре струны, настроенные по квинтам: g, d¹,a¹,e²; (соль малой октавы, ре, ля первой октавы, ми второй октавы), диапазон от g (соль малой октавы) до a⁴ (ля четвёртой октавы) и выше. Тембр скрипки густой в низком регистре, мягкий в среднем и блестящий в верхнем.

Старинная соната Термин «соната» появился в XVI веке и, в противовес контаре (итал. cantare — петь), обозначал любую инструментальную музыку, а также вокальный мотет, переложенный на инструменты. В это время сонаты исполнялись полифонически, например трио-соната для скрипки или флейты, виолы да гамба и клавесина. В XVII веке термин уже приобрел современное значение, а сами сонаты разделились на два вида: церковные (в которых преобладал контрапунктический стиль, исполнялись на богослужениях) и камерные сонаты (состояли из прелюдий, ариозо, танцев, написанных в разных тональностях, исполнялись на концертах одним или двумя интрументами)

Сюита (с фр. Suite — «ряд», «последовательность», «чередование») — циклическая музыкальная форма, состоящая из нескольких самостоятельных контрастирующих частей, объединённых общим замыслом.Термин «сюита» был введён во второй половине XVII века французскими композиторами. Вначале танцевальная сюита состояла из двух танцев, паваны и гальярды. Павана — это медленный торжественный танец, название которого произошло от слова Павлин. Танцоры изображают плавные движения, гордо поворачивают головы и кланяются, такие движения напоминают павлина. Очень красивы были костюмы у танцоров, но у мужчины обязательно должны были быть плащ и шпага. Гальярда – это быстрый танец. Некоторые движения танца имеют смешные названия: «журавлиный шаг» и мн. др. Несмотря на то, что танцы разные по характеру, они звучат в одной тональности.

В конце XVII века в Германии сложилась точная последовательность частей:

• 1. Allemande
• 2. Courante
• 3. Sarabande
• 4. Gigue

Трио-соната – музыкальное произведение для инструментального ансамбля, состоящего из трех партий, преимущественно из 2 скрипок и генерал-баса (цифрованного баса), который исполнялся на клавесине или органе, часто в унисон с басовым инструментом (например, виолончелью или фаготом).

Фрескобальди, Джироламо (1583-1643). Итальянский композитор. Родился 9 или 15 сентября 1583 года в Ферраре. В юные годы пел в церковном хоре, обучался игре на органе, затем работал при дворе герцога Феррарского. С 1604 г. церковный певец и органист в Риме. В 1607 г. посетил в Брюссель, Швейцарию, Лотарингию и Люксембург. С 1608 г. – органистом собора св. Петра в Риме. Слава о замечательном, блестящем исполнителе на органе привлекала в Рим многочисленных слушателей. Сочинения Фрескобальди производили сильное впечатление в его собственной интерпретации, тем более что он был и превосходным импровизатором. Творческое влияние Фрескобальди испытали на себе многие современники, как органисты, так и клавесинисты. До конца жизни (скончался 1 марта 1643 года) Фрескобальди работал в Риме.

Фробергер, Якоб (1616-1667). Ученик Д. Фрескобальди. В 1641-1645 гг. и 1653-1657 работал при дворе в Вене. Концертировал во многих странах Европы как органист-виртуоз. В 1652 г. в Париже встретился с Ф. Купереном. Соединил достижения немецкой, итальянской и французской школ.

Фуга (лат. Fuga бег преследование) – высшая форма полифонического стиля, развившаяся из имитации. Фуга состоит из трех частей: экспозиции, разработки и репризы.

Экспозиция содержит первоначальное изложение темы последовательно во всех голосах. Иногда используются дополнительные проведения, которые могут образовать и контроэкспозицию (дополнительные проведения темы по всем голосам). Мелодические построения между проведениями называются интермедиями. Они используются во всех частях фуги, в экспозиции же интермедия чаще всего используется между вторым и третьим проведением темы. Классическая экспозиция фуги заканчивается модуляцией и каденцией в параллельной тональности.

Разработка (Свободная часть фуги) начинается с проведения темы в новой тональности. Строение этой части не типично, поэтому можно выделить лишь общие закономерности её структуры. Темы в разработочной части фуги чаще всего проводятся по тональностям первой степени родства, хотя и возможны отклонения в далекие тональности. Большее значение приобретают интермедии (они играют важную роль во всей форме фуги - могут придавать черты других форм, например, сонатной или рондообразной). Широко используются тематические преобразования: обращение и ракоход темы, её увеличение или уменьшение.

Реприза обычно начинается с проведения темы в главной тональности и может не выходить за её рамки, но иногда используется и доминантовая тональность. Нередко важное значение приобретает субдоминантовая тональность, с которой может даже начаться реприза. По размеру реприза чаще всего короче экспозиции, но не ограничивается одним проведением. Кодой называется заключительное повторение фуги, возникающее после заключительного каданса в главной тональности.

Шайдт, Самюэль (1587-1654). Ученик Я. Свелинка. В 1603-1608 гг. органист в Галле. С 1609 – придворный органист, 1619 придворный капельмейстер, 1628 – музыкальный руководитель там же Основположник немецкой органной школы.

Шанбоньер, Луи Жак Шампион де (1601–1672). Основоположник школы французских клавесинистов.Шамбоньер происходил из потомственной семьи музыкантов (его отец, органист и клавесинист, работал при дворе Людовика XIII), был известен как превосходный исполнитель на клавесине и органе, талантливый композитор и преуспевающий педагог. С 1640 г. он находился на придворной службе (эпинетист - по названию малого клавесина).

 

[1] В Священном писании неоднократно встречаются слова осуждения в адрес ханаан и филистимлян, проживавших в непосредственной близости к израильтянам.

[2] Данный принцип впоследствии стал универсальным в литургической практике многих, в т.ч. христианских, народов.

[3] В одном из эпизодов Паралипоменона [Паралипоменон, V, 12 – 14 ] присутствует описание освящения храма Соломона, участниками которого были 4000 музыкантов-левитов и 120 священников с трубами.

[4] Так, в «Исходе» сказано: «На третий день, при наступлении утра, были громы и молнии, и густое облако над горою Синайскою и трубный звук весьма сильный; и вострепетал весь народ, бывший в стане <…> и звук трубный становился сильнее и сильнее. Моисей говорил, и Бог отвечал ему»[Исх. XIX, 16-19 ].

[5] «Tubamirum» – «труба предвечного» или «труба дивнозвучная», оповещающая о «конце времен», начале Страшного суда и воскрешении мёртвых, со времен древнееврейских пророчеств устойчиво связывается со звучанием труб и тромбонов.

[6] Её сложение – 1 век н. э.

[7] См. раздел Музыкальная культура Средневековья.

[8] Его арабы в свою очередь заимствовали от египтян.

[9] Названия отдельных тонов: sa, ri, ga, ma, pa, dha, ni. При этом первый тон - «sa» соответствует современному «а», и, т.о., индийская гамма имеет следующей вид: sa, ri, ga, ma, pa, dha, ni / a, h, cis, d, e, fis, gis.

[10] Так, при императоре Цинь Ши-Хуа-ди (246 – 210 гг. до н. э.) оркестр состоял из 829 музыкантов и 132 танцовщиц.

[11] Первый ряд – «гун»: e, fis, gis, h, cis; второй – «шан»: fis, gis, h, cis, e; третий – «чао»: gis, h, cis, e, fis; четвертый – «чжи»: h,cis,e, fis, gis; пятый – «ю»: cis, e, fis, gis, h.

[12] Согласно легенде, на этом инструменте играл Конфуций.

[13] Изображения подобных процессий имеются на аттических (дипилонских) вазах (VIII – VII вв. до н. э.).

[14] В образе Демодока, согласно античному преданию, Гомер запечатлел сам себя.

[15] Кифара – струнный инструмент типа лиры.

[16] Параллельно кифародии развивалась авлодия (пение под авлос).

[17] Возможно, под этим имелось в виду соединение мелодии вокальной партии с её вариантом в инструментальной партии (принцип гетерофонии).

[18] Биографические данные о Сапфо скудны и крайне противоречивы.

[19] Само слово «лирика» происходит от лиры: игрой на лире поэты сопровождали пение своих стихов.

[20] Предположительно, до этого трагедии представляли собой последовательность песенных и танцевальных эпизодов в хоровом исполнении.

[21] В 534 г. до н. э. на Великих дионисиях Феспид ввёл декламатора.

[22] Известно, к примеру, что Эсхил сам участвовал в исполнении своих пьес.

[23] См. об этом в разделе Опера.

[24] Секст Эмпирик. Против логиков, I, 94–97.

[25] Речь в данном случае ведётся об интервале октавы.

[26] По предположениям Б.Л. ван дер Вардена, VIII книга «Начал» Евклида, а также входящий в евклидовский корпус трактат «Деление канона» написаны на основе сочинений Архита.

[27] Рим эпохи расцвета представлял собой мощнейшую империю, простиравшуюся на тысячи километров.

[28] Сохранившиеся римские форумы, дворцы, храмы, крепостные стены амфитеатры, бани и т.д. и сегодня восхищают своей монументальностью, продуманностью и красотой архитектурных форм.

[29] Власть имущие считались с этими требованиями: нередко устраивались раздачи денег и средств пропитания, население привлекали в колоссальные цирки, где устраивались уже упомянутые гладиаторские бои, травля зверей и другими кровавыми зрелищами.

[30] В течение нескольких столетий это был единственный гражданский праздник римлян.

[31] До нас дошли все произведения Горация: сборник стихов «Ямбы», или «Эподы», две книги сатир («Беседы»), четыре книги лирических стихотворений, известных под названием «Оды», юбилейный гимн «Песнь столетия» и две книги посланий.

[32] Своеобразной инструкцией влюблённым о том, как добиться любви, явилась его поэма «Искусство любви», которая вызвала гнев Августа, увидевшего в стихах Овидия пародию на его законодательство об укреплении семейной жизни римской знати и выславшего поэта за пределы империи.

[33] История сохранила сведения о наиболее прославленных исполнителях. Это кифаред Анаксенор, певец Тигеллий при Цезаре и Августе, кифаред Менекрат при Нероне, Мезомед при Адриане, кифареды Терпний и Диодор при Веспасиане.

[34] Вазари Дж. Жизнеописание знаменитых художников, 1550 г.

[35] Приводимая здесь таблица дана по материалам учебного пособия Е.О. Китаевой Западноевропейское Средневековье. Картина мира. – Волгоград, 2007.

[36] Герцман Е. Византийское музыкальное мышление. – Л., 1988.

[37] При византийском дворе он применялся как декоративный и громкозвучный инструмент в торжественной обстановке. Если небольшие органы и встречались в отдельных церквах на Западе с VII в., то особое впечатление большой орган произвел в 757 г., когда послы византийского императора Константина Копронима доставили этот инструмент в дар королю франков Пипину Короткому. Его сын Карл Великий затем приказал скопировать византийский орган.

[38] Схема дана в соответствии с материалом, изложенным в книге Н. Симаковой. Вокальные жанры эпохи Возрождения. – М., 2005.

 

[39] Легенда относит к 1206 году происходившее в Вартбурге большое состязание певцов при участии Вальтера фон дёр Фогельвейде и автора «Парсифаля» поэта Вольфрама фон Эшенбаха. Состязания певцов-миннезингеров в самом деле происходили при немецких дворах, а что касается Вартбурга, то там, в резиденции Германа., ландграфа Тюрингского, действительно некоторое время находился Вальтер фон дёр Фогельвейде и работал над своей поэмой Вольфрам фон Эшенбах. Таким образом, легенда, положенная в основу вагнеровского «Тангейзера», опирается на исторические факты.

 

[40] История связывает появление первых лауд как духовных стихов на местном наречии со Средней Италией, с Франциском Ассизским и его деятельностью, начавшейся в XII веке и захватившей и первую четверть XIII (Франциск умер в 1226 году). Основатель «еретической» общины, позднее давшей начало нищенствующему монашескому ордену францисканцев, Франциск Ассизский сам был поэтом и музыкантом, а его последователи в XIII веке Якопоне да Тоди и Фома Челано известны как создатели наиболее прославленных и доныне не забытых секвенций «Stabat mater» и «Dies irae».

[41] Интересно, что в тех же трактатах приведен пример не только параллельного движения голосов. К хоральной мелодии приписан второй голос, который исходил из унисона и двигался параллельными квартами, но задевая и другие интервалы (секунду, терцию).

[42] Он получил в науке обозначение «Аноним IV» – по публикации его текста, осуществленной Э. де Куссмакером в 1864 г.

[43] Например, 454 такта органума – при переводе на позднейшие метрические понятия.

[44] Степень этой замедленности григорианской мелодии неодинакова: на одну её единицу приходится местами всего три-четыре единицы в верхних голосах, местами же – более двадцати единиц. Это само по себе уже отчасти расчленяет форму целого. Но более всего она членится благодаря модальности ритма в верхних голосах, способствующей впечатлению периодичности в узких масштабах. Вместе с тем интонационное развертывание верхних голосов, как это было уже и у Леонина, скорее объединяет их в едином токе движения, создающего эффект непрерывности процесса.

[45] Однако далеко не везде направление школы Нотр-Дам было воспринято местными музыкантами. Италия, в частности, осталась в стороне от него: у неё были иные традиции.

[46] Примечательно, что именно к тому или иному деятелю парижской творческой школы современники относили определение «нотатор» или замечали «учил нотировать»; вскоре стали известны еще «английский нотатор», «бургундский магистр» и другие музыканты из разных стран, тоже прославившиеся как умелые нотаторы.

[47] В булле папы Иоанна XXII с порицанием говорилось, что певцы рассекают церковные песнопения гокетами.

[48] Как известно, средневековая теория объявила альтерированные звуки (нарушающие систему модальных ладов) «фальшивой музыкой».

[49] Помимо неё от XIV века до нашего времени дошли ещё три анонимные мессы: из Турне, Тулузы и Барселоны. В каждой из них ещё не ощутим определённый и единый авторский замысел. Более ранние мессы были одноголосными. Машо стал первым в ряду многочисленных композиторов мира, создавших мессы; среди них были Гийом Дюфаи, Жоскен Депре, Палестрина, Орландо Лассо, Бах, Бетховен и многие другие.

 

[50]. Пародиями назывались полифонические сочинения, созданные на материале иных произведений (песен, мотетов и т. д.).

[51] Особенной популярностью пользовались такие песни как «L'homme arme» («Вооруженный человек»), Se la face ay pale (Если бледно [мое] лицо), «Fortuna desperata» («Несчастная судьба») и т.д.

[52] Пролация (prolatia) — термин старинной нотации, обозначавший деление семибревиса на три или на две минимы.

[53] Ранние фроттолы создавались, например, другом Жоскена Депре поэтом Серафино даль Аквила (а затем и самим Жоскеном под именем Жоскин д'Асканио).

[54] Сверху вниз e-cis-c-h-a-fis-f-e.

[55] Предположительно Жоскен Депре родился около 1440 года. В 1459 году он отправляется в Италию, где работает певчим в составе соборной капеллы в Милане. С 1474 года Жоскен находился на службе при дворе герцога Сфорца в Милане, где общался с выдающимися музыкантами. В 1486 – 1499 гг. Жоскен работал в папской капелле в Риме. Далее Жоскен служит при дворе французского короля Людовика XII. Одновременно Жоскен набирал во Фландрии певцов для двора Эрколе д'Эсте, а с 1503 года стал «маэстро ди капелла» у герцога в Ферраре. Одна из месс Жоскена была посвящена герцогу и стала известна под названием «Hercules Dux Ferrarie». В поздние годы жизни Жоскен принял духовный сан и жил в Конде, где и умер в 1524 году.

 

[56] Так в мессе «Брат Тибо» Kyrie составляет 25 тт., Gloria – 44 тт., Agnus - всего 20 тт..

[57] В этой связи показательно сравнение месс Лассо и Палестрины, написанных в технике пародий на одну и ту же четырехголосную французскую песню П Кадеака «Je suis desheritee», предпринятое Ю. Евдокимовой. Сравнение сочинений Лассо и Палестрины показывает два возможных пути построения мессы-пародии: посредством введения нового, авторского материала и посредством детализированного, многостороннего освещения данного. Лассо больше привлекает первый путь, Палестрину – второй.

[58] До «a» второй октавы.

[59] Известно, что Лютер любил музыку, высоко ценил произведения Жоскена (о котором говорил, что он властвует над звуками, а над другими властвуют звуки), поддерживал издание песенных сборников и хотел бы, чтобы все искусства, особенно музыка, служили религии.

[60] Р. Вагнер стремился воссоздать этот исторический колорит в своей опере «Нюрнбергские мейстерзингеры.

[61] Инструментальная музыка английских вёрджиналистов рассматривается в разделе «Инструментальная музыка XVII в.

[62] Так, Рене Декарт, изучая функции сетчатой оболочки глаза, объяснил тайну радуги и открыл закон преломления света. Исаак Ньютон(1643–1727) разложил спектр на основные цвета.

[63] Законы классической механики были обоснованы И. Ньютоном.

[64] Dramma per musica (драма на музыку) и favоla in musica (музыкальная сказка) – жанровые определения первых итальянских опер.

[65] Цит. по: Ярославцева Л.К. Зарубежные вокальные школы. – М., 1981. С. 7.

[66] Впоследствии «Дафна» была утрачена, до нашего времени дошла «Эвридика», созданная на основе сюжета известного античного мифа об Орфее.

[67] Оркестр «Эвридики» состоял из чембало, лиры, лютни, басовой лютни, басовой гитары (китарроне). Отдельно были выписаны партии трёх солирующих флейт.

[68]Каччини был одним из выдающихся теноров-виртуозов своего времени, прославился как блестящий исполнитель сложных мадригалов, украшенных колоратурами. Особой выразительностью отличалось его пение собственных вокальных партий, написанных для музыкально-сценических представлений.

[69]Сам композитор подчёркивал, что в своём произведении всячески старался усилить выразительность вокального начала.

[70] Римский патриций отрёкается от земных наслаждений ради небесного блаженства и пилигримом странствует по свету; вернувшись через много лет в родной дом, он живёт там под видом нищего. Лишь после смерти и достижения святости Алексея узнают.

[71] Автором декораций к опере был Лоренцо Бернини.

[72] Монтеверди являлся выдающимся певцом и вокальным педагогом, отлично разбиравшимся в специфике певческого голоса.

[73] Монтеверди – автор опер: «Орфей» (1607), «Ариадна» (1608), «Андромеда» (1618–1620), «Мнимо безумная Ликори» (1627, одна из первых итальянских комических опер), «Любовь Дианы и Эндимиона» (1628), «Похищенная Прозерпина» (1630), «Адонис» (1639), «Свадьба Энея и Лавинии» (1641), «Возвращение Улисса на родину» (1641), «Коронация Поппеи» (1642). Из них полностью сохранились «Орфей» и «Коронация Поппеи».

[74] Первое исполнение оперы состоялось 24 февраля 1607 г. в Палаццо Дукале (Мантуя).

[75] В либретто, раздававшемся на первой постановке, опера оканчивалась смертью Орфея. Возможно, композитор изменил финал в последний момент, руководствуясь конъюнктурными соображениями.

[76] Опера завершается появлением Аполлона, он обещает Орфею встречу с Эвридикой в сонме небожителей и вместе с ним возносится в Эмпиреи.

[77] Группа струнных включала 2 скрипки, 10 виоло да браччо, 3 виолы да гамба, 2 контрабасовые виолы, группу щипковых составляли 2 басовых лютни, арфа; духовая группа была представлена двумя маленькими флейтами, 2 корнетами, кларино (высокая труба), 3 трубами с сурдинами, 4 или 5 трмбонами; клавишные инструменты включали 2 чембало, 3 органа различного типа. Всего в оркестр входило около 40 инструментов, что являло грандиозный для того времени состав.

[78] Трёхчастная ария Орфея из второго акта признана в качестве первой оперной арии.

[79] Герой трижды повторяет: «Верните мне мое счастье!», каждый раз начиная фразу на тон выше.

[80] Данную арию Монтеверди написал в двух вариантах – для пения соло с сопровождением и в виде пятиголосного мадригала (более поздний вариант).

[81] Сюжетная основа оперы – «Анналы» Тацита, а также «Двенадцать цезарей» Светония, «Римская история» Дио Кассия, «Октавия» Псевдо-Сенеки.

[82] Мифологические персонажи (Меркурий, Венера, Паллада, Амур) и в дальнейшем периодически вторгаются в действие. Т.о., Монтеверди отдаёт дань традициям пасторально-мифологических опер.

[83] Полный текст партитуры оперы не сохранился, поэтому достоверных сведений о составе оркестра нет.

[84] В рамках венецианской школы возник институт импресарио.

[85] Первый публичный оперный театр – Сан-Кассиано был открыт в Венеции в 1637 г. На рубеже 1630–1640-х гг. функционировали 4 оперных театра, на протяжении XVII в. их было открыто десять.

[86] Как правило, венецианские спектакли включали не менее 7 – 9 перемен декораций (в т.ч. морские пейзажи, сцены в порту, в гроте, на дворцовой площади), разнообразные чудеса (внезапные появления чудовищ, птиц и зверей, полёты, потоки воды, пожары, возникновения и разрушения замков и т. д.).

[87] Со временем хоры были окончательно вытеснены из венецианской оперы.

[88] Опера являлась частью карнавальных празднеств по случаю бракосочетания императора Леопольда I и Маргариты Испанской. Показ состоялся в только что отстроенном роскошном театре Ауф дер Кортина (Вена), рассчитанном на пять тысяч мест.

[89] Первоначально консерватории представляли собой приюты для детей-сирот, однако постепенно музыка вышла на первый план в системе образования. В процессе обучения изучалась теория музыки, основы композиции. Преподавали в консерваториях прославленные музыканты, композиторы. Особое внимание уделялось красоте голоса, что привело к формированию особого стиля пения – bel canto с присущими ему качествами – широтой дыхания, виртуозностью, красотой вокальной кантилены.

[90] Так, композитор и педагог Николо Порпора (1686–1768) является автором свыше 500 (!) опер-seriа, ставших классическими образцами жанра и стиля бельканто.

[91] Несмотря на это в операх Скарлатти как и других неаполитанских мастеров принцип исторической точности соблюдался далеко не всегда.

[92] В арии da capo первая часть повторялась с виртуозными импровизациями.

[93] В становлении данного типа оперного спектакля можно отметить заслугу А. Скарлатти – автора комической оперы «Триумф чести» (1718), Леонардо Винчи – учителя Перголези, мастера неаполитанской диалектной комедии (из его 11 опусов в этом жанре выделяется опера «Девушки на галере», 1722).

[94] Двухактная опера Перголези «Служанка-госпожа» (La Serva-Padrona, 1733) являет собой первый классический образец этой разновидности жанра.

[95] Настоящее имя Люли – Джованни Баттиста Л у лли.

[96] Оперы Люлли: «Кадм и Гермиона» (1673), «Альцеста» (1674), «Тезей» (1675), «Атис» (1676), «Изида» (1677), «Психея» (1678, оперная версия трагедии-балета 1671 г.), «Беллерофонт» (1679), «Прозерпина» (1680), «Персей» (1682), «Фаэтон» (1683), «Амадис» (1684), «Роланд» (1685), «Армида» (1686). Опера «Ахилл и Поликсена» (1687)) на стихи Жана Гальбера де Кампистрона была завершена уже после смерти Люлли его учеником Паскалем Колласом. К этому ряду можно добавить «героическую пастораль» «Ацис и Галатея» поставленную в 1686 г. и неоднократно возобновлявшуюся.

[97] С 1663 по 1671 гг. Люлли сотрудничал с Мольером. Для комедий-балетов «Господин де Пурсоньяк», «Мещанин во дворянстве», «Мнимый больной» Люлли писал танцевальную и вокальную музыку.

[98] В русском музыковедении принято использовать менее точный термин «лирическая трагедия».

[99] В этом смысле можно провести аналогии с трагедиями П. Корнеля, Ж. Расина, живописью Н. Пуссена.

[100] По свидетельству современников Люлли часто ходил слушать игру великих трагических актёров. Нюансы их сценического поведения – паузы, повышение и понижение тона и пр. он фиксировал в своём блокноте.

[101] Вместе с тем, по преимуществу, эти хоры выполняли декоративную функцию.

[102] В их числе – «Цирцея» (1685), «Парижская резня» (1690), «Император индейцев, или Завоевание Мексики» (1691), «Генрих II, король Англии», «Регул», «Эдип» (все – в 1692), «Искусные женщины» (1693), «Тимон Афинский» (1694), «Оруноко», «Фиктивный брак» (обе – 1695) и др.

[103] Английские «маски» представляли собой придворные спектакли, близкие к французскому балету. Они появились в Англии в начале XVI в. благодаря заимствованиям из Франции и Италии. В период с восшествия на престол Якова I и до революции Кромвеля «маска» являлась наиболее значительным из празднеств английского двора. В этих спектаклях объединялись все жанры: лирика, драматический диалог, комические интермедии, языческие аллегории, сатирические вставки на современные темы, танцы, переодевания, пение, инструментальная музыка, декорации, машинерия, даже ароматы.

[104] Сюжет оперы таков: Эней, спасающийся бегством из разрушенной Трои и направляющийся в Лациум, занесен штормом в Карфаген, где правит вдовствующая царица Дидона. Вспыхивает страстная взаимная любовь, но боги препятствуют этому союзу. Следуя предначертанию судьбы, Эней уплывает на корабле в Италию, а Дидона избавляет себя от страданий своей собственной рукой.

[105] Сцена самосожжения была заменена Тейтом на смерть от горя, которое разрывает сердце героини.

[106] How can so hard a fate be took

One night enjoy’d, the next forsook

«Кто уготовил мне судьбу такую: одну ночь счастлива – покинута в другую»

[107] Сказанное относится и к балетным номерам: по замыслу Тэйта, в опере должно было быть 17 балетов, из них Пёрселл оставил только 4. Каждый из них появляется только в конце крупного раздела драмы, завершая и обрамляя его.

[108] Одно из таких сочинений – школьная драма о Готфриде Бульонском (1630) Мельхиора Франка, «интерсцений» которой состоит из ряда песен и танцев, объединенных мифологической фабулой.

[109] Singspiele – букв. перевод «песенные игры».

[110] Автор либретто – Мартин Опиц. Это сочинение не сохранилось.

[111] Он же явился автором оперы-балета «Орфей и Эвридика» (1638), балета «Парис и Елена» (1650), двух пасторалей «с музыкой и танцами» и множество других дивертисментов. К великому сожалению, лучшие музыкально-театральные опусы Шютца, созданные для дворцовых празднеств (наряду с письмами), были бесследно уничтожены в 1760 году при пожаре