Декоративная живопись

Декоративность, декорация, декоративная живопись, декорировать – все эти слова происходят от латинского «decoro», что значит «украшаю». И правда, основной задачей декоративной живописи является украшение предмета, здания, интерьера, то есть она напрямую связана с произведениями архитектуры и прикладного искусства. Именно эта основная черта декоративной живописи определяет сюжет, технику исполнения.

В отношении архитектуры обычно применяют термин «монументальная живопись», это значит, что это огромные, неразрывно связанные с архитектурным объектом, изображения. Декоративную живопись можно считать началом всех видов живописи. Первые наскальные изображения, появившиеся в эпоху палеолита и служившие для украшения жилища, были схематичными, упрощёнными, стилизованными, что является другой неотъемлемой чертой декоративной живописи. Временем расцвета декоративной живописи можно считать эпоху античности, когда каждый предмет быта и почти каждая стена и даже полы были украшены каким-либо орнаментом, рисунком, мозаикой.

Современная декоративная живопись, это не только орнаменты на тарелках, но и удивительные произведения декоративно-прикладного искусства, росписи интерьеров, украшение фасадов домов, картины. Сейчас существует огромное разнообразие материалов, техник, которые дают возможность реализовать самые различные и оригинальные идеи.

Декоративность – это совокупность художественных свойств, усиливающих эмоциональную выразительность и организационную роль произведений пластических искусств в окружающей предметной среде. Художественные приёмы, определяющие декоративность произведения искусства, разнообразны и особенны для каждого вида искусства. Важную роль в создании эффекта декоративного изображения играют декор (орнамент или его детали), выразительность природной фактуры материалов и присущих им особенностей пластической формы, композиции, цветовых пятен, их интенсивность, выразительность красочного мазка и др. Декоративность является одним из главных художественных средств произведений декоративно-прикладного искусства. Она присуща и произведениям изобразительного искусства, как станковым, так и монументальны, связанным с архитектурным пространством, внешним и внутренним. В этом случае декоративность играет скорее второстепенную роль, подчиняясь общему замыслу, сюжету изображения и общей идеей самого пространства, для которого предназначено произведение искусства.

В изобразительном искусстве композиция декоративного произведения считается полноценной, при условии сбалансированности содержательного и декоративного начала. Одним из ярких примеров такой сбалансированной декоративной живописи являются росписи критских дворцов и храмов. Древняя декоративная живопись очень стилизована, напоминает орнамент, её формы упрощены и канонизированы, фигуры расположены в ряд и подчинены ритмам и структурным направлениям – вертикали, диагонали и горизонтали.

Родственна декоративной живописи работа примитивистов. Красота картин примитивистов достигнута по средствам отказа от простого копирования натуры. Природные формы передаются в упрощённом, плоскостном виде, изображение плоскостное, цвета локальные. Классическими примерами декоративной живописи могут служить иконы, фрески, мозаики и витражи.

Декоративная живопись – это способ изображения реальных предметов путём выявления самых выразительных особенностей средствами колорита и пластическими приёмами, связанными с обобщённостью, стилизацией, упрощением, орнаментацией, с соблюдением меры условности изображения, отказом от множества подробностей, превращая поверхность картины в симбиоз цветовых пятен – символы или знаки.

Любая композиция строится, следуя разнообразным закономерностям, а декоративная композиция нуждается в них особенно. Над такими закономерностями работали художники-педагоги Ю. Герчук, К. Даглдиян, Ю. Жегин, Л. Молчанов, Р. Па­ранюшкин, Н. Ростовцев, Е. Шорохов и др. Каждый автор относит разные приёмы, законы, правила и признаки, на которые опирается художественно-смысловая идея, сюжет. Г. Панксенов в своей книге «Живопись форма, цвет, изобра­жение» выделяет формальные средства композиции: пропор­ции и формат, композиционный масштаб, метрометрические построения, контраст, нюанс и феномен цвета, которые в свою очередь основываются на психологии зрительного восприятия. Р. Паранюшкин к приемам и средствам композиции относит группировку, членение, формат, масштаб и пропорции, ритм и метр, композиционные оси, цвет, фактуру. Ю. Герчук добавил бы ко всему этому вертикаль, горизонталь, симметрию, покой, движение.

Кроме основных законов и приёмов композиции, декоративная живопись опирается на присущие только ей признаки: узорчатость (цветовые и тоновые соотношения), условное посторенние пространства (взаимодействие ритмов, контрастов), орнаментальность, стилизация.

Первый признак – узорчатость. Она воспринимается как соотношение форм светлых и тёмных пятен. Особую роль играет выразительность силуэта, красота контуров и линий фигур. Важной частью красочной поверхности чистого цвета в декоративной живописи является фактура, которая может передать разнообразие выразительных черт визуального мира, передаваемого на картине. Важно правильно определять колорит изображения, так как цветовые решения часто связаны с традициями, национальными архетипами.

Следующий признак декоративности – это условность. Условность – это способ обобщения, предполагающий повышенную эмоциональность образа и рассчитанный на такой же эмоционально-экспрессивный отклик зрителей. Цель условности – передача в наиболее выразительной форме главное, выявить смысл, вложив в его наиболее экспрессивное выражение.

Во всех композициях присутствует художественное пространство в той или иной форме. А вот воспринимается это пространство по-разному, это сложный психический процесс, поэтому различны способы наиболее выразительной передачи пространства. В одних случаях художники применяют обратную перспективу для большей выразительности. В декоративной живописи в основном используется условно-плоскостное пространство византийского, древнерусского и восточного искусства – это сфера «малой глубины» пространства картины. Этот способ изображения пространства в декоративной живописи рассматривается не как оптическая иллюзия трёхмерного пространства, а как выразительное средство для передачи цветовых масс, форм и объёмов на плоскости картины. В таком случае пространственные отношения между предметами в реальности могут почти полностью игнорироваться. Натюрморт, например, может изображаться не в глубину, а вверх, таким образом, задний план окажется не за, а над передним.

В основе декоративной живописи лежит конструкция. Конструкция – это организация построения формы, её каркас. Конструктивный рисунок создаётся с помощью диагональных, вертикальных, горизонтальных и дугообразных структур, определяя композиционную схему произведения, которая потом обретает содержательность.

Достижение выразительности в декоративной живописи связано с тоновыми и цветовыми контрастами, контрастами величин, выразительностью фактур и материалов, объёмов и плоскостей, ритмической организацией форм, линий, деформацией – изменением пространства и формы предметов в изобразительном искусстве.

Декоративную живопись можно сравнить с орнаментом, где обязательна связь элементов между собой не только там, где она необходима, в повторяющихся частях, но и в узоре цветовых пятен, свободно заполняющих плоскость.

Стилизация – это процесс подчинения формы внешним условиям, задачам художника, обобщение цветового пятна, формы, пространства. Существует множество различных способов стилизации. Максимальное обобщение формы и её окружения способны превратить вполне обычный предмет в символ, изображая суть предмета, а не сам предмет. Стилизация позволяет менять форму, разделяя её на отдельные детали, а затем конструируя из них новое изображение, не всегда используя все детали, а только часть их. Важно найти правильное цветовое и тоновое соотношение изображаемых форм и фона, потому как именно они важны при стилизации.

Каждое из перечисленных выразительных средств в декоративной композиции имеет своеобразие.

Выразительное декоративное живописное изображение может иметь следующие особенности:

1. Изменение пропорций предметов и пространственных отношений между ними, нарушение перспективы или полное её отсутствие.

2. Изменение формы предмета через усиление наиболее выразительного характерного в предмете, совмещение обобщённых и детализированных образов, потому что один объект лучше виден, контрастируя с другим.

3. Частично или полностью отказ от объёмного изображения формы предметов (сочетание объёма и плоскости, или силуэтное изображение). Один и тот же объект может изображаться под разным углом.

4. Поиск новых колористических отношений: декоративно-экспрессивных возможностей цвета, использование активных сочетаний цветов, выявление фактур, локальных цветовых пятен, присутствие контура.

5. Орнаментация плоскости и предметов, пространство приближается к плоскостному, все части, детали объекта сплетаются в единый орнаментальный узор.

6. Аналитический подход или творческая интерпретация натуры, то есть способ изображения предметов с предварительным разложением их на простейшие части, изображая внутреннюю структуру предмета.

Декоративность живописного изображения определяется грамотным распределением по поверхности живописного изображения больших и малых пятен, их светотеневой и цветовой исходной точкой, правильным использованием орнаментальных мотивов и ритмов, украшающих плоскость. Так с помощью выразительных средств живописи эстетическое изображение человеческого чувства, реального объекта, или отношения человека к предмету, несмотря на условность, декоративная живопись повествует о природе, людях, истории, в ней зашифрован смысл и живые образы, иногда их можно легко распознать, а иногда нет.

Модерн

Моде́рн (от фр. moderne — современный), ар-нуво (фр. art nouveau, букв. «новое искусство»), югендстиль (нем. Jugendstil — «молодой стиль») — художественное направление в искусстве, наиболее распространённое в последней декаде XIX — начале XX века (до начала Первой мировой войны). Стиль модерн следует строго отличать как от общего понятия «современный», так и от понятия «модернизм». Основной признак модерна – декоративность во всём, основной мотив – вьющиеся растения, основной принцип – сделать так, чтобы рукотворное выглядело естественным, природным. Всё это нашло отражение в архитектуре, деталях зданий, в произведениях декоративно-прикладного искусства, в живописи и так далее.

Модерн стремился удачно сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений искусства, сделать прекрасным все сферы деятельности человека. Поэтому художники обратились к прикладным искусствам – дизайну интерьеров, керамике, книжной графике, ювелирному делу, стремясь создать единую среду.

Период Модерна довольно короток и имеет достаточно чёткие границы – от конца 1880-х до 1914 года, когда началась Первая мировая война, которая прекратила естественное развитие искусства в большинстве стран Европы. В период модерна происходило быстрое переосмысление всего художественного опыта, всех художественных форм и приёмов, слияние различных видов и жанров для образования чего-то нового. Художники модерна бесстрашно ломали привычные нормы и границы. Главным стало стремление к открытию новых методов, стилей, форм, фактур, синтезу различных источников во что-то качественно новое.

В 1860-1870-е годы в Европе царствовал стиль эклектики, который заключался в цитировании и повторении предыдущих стилей, смешивании их в одном месте, произведении, изображении.

В 1880-е годы работах разных мастеров стал проявляться новый стиль, который противостоял эклектизму новыми художественными приёмами. Уильям Моррис (1834-1896) создавал предметы интерьера, вдохновлённые природными формами, растительностью, а Артур Макмердо (1851-1942) использовал изящные вьющиеся узоры в книжной графике.

Большое влияние на стиль модерн оказало, ставшее более доступным в то время на Западе, искусство Японии. Художники модерна также вдохновлялись искусством Древнего Египта, Византии и других древних цивилизаций.

В модерне можно выделить два основных направления – конструктивное (Австрия и Шотландия) и декоративное (Бельгия, Франция, Германия). В некоторых странах, например, в России и Германии, на стиль сильное влияние оказали национальные традиции. Разделение же самого искусства модерна на отдельные периоды и стили весьма условно. Как ни один другой стиль, модерн соединил в себе столько различных стилей, направлений и традиций, что даже специалисты затрудняются определить где заканчивается эклектика и начинается модерн.

Самой яркой чертой модерна стал отказ от прямых линий и углов в пользу природных изогнутых линий. Многие художники модерна брали за основу своих рисунков примеры из растительного мира. Также широкое распространение получило применение новых технологий (например, железобетонных конструкций в архитектуре), использование металла и стекла.

В европейских странах начали создаваться различные художественные ассоциации, работающие в новом стиле: «Выставочное общество искусств и ремёсел» (1888) в Великобритании, «Объединённые художественно-ремесленные мастерские» (1897) и «Немецкие мастерские художественных ремёсел» (1899) в Германии, «Венские мастерские» (1903) в Австрии, «Нансийская школа» во Франции, «Мир искусства» (1890) в России.

Сильно поспособствовало распространению модерна проведение Всемирных выставок, на которых демонстрировали все новейшие достижения технологий, прикладного и изобразительного искусств. Максимальную известность модерн получил на Всемирной выставке в Париже в 1900 году. Правда, уже в 1910 году значение модерна стало угасать.

Стиль Модерн имел несколько основных направлений:

• Неоромантизм, где используются элементы романского стиля, готики, ренессанса и других стилей.
• Неоклассицизм
• Рационализм, направление с преобладанием более простых форм
• Иррационализм
• Кирпичный стиль, когда архитекторы отказались от штукатурки, и все декоративные детали здания делались из кирпича.
• Модерн венский, берлинский, парижский, в России и Восточной Европе — московский, петербургский, рижский, провинциальный и так далее.

Большое влияние на развитие архитектурного стиля модерн имели работы знаменитых художников и скульпторов этой эпохи, таких как Густав Климт, Альфонс Муха, М. А. Врубель, В. М. Васнецов, В. Д. Поленов, скульпторов, таких как Огюст Роден, Камилла Клодель и другие.

Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы: лестницы, двери, столбы, балконы — художественно обрабатывались. В итоге, интерьер представлял собой единый ансамбль.

Одним из основных стилеобразующих средств в искусстве модерна является орнамент характерных плавных криволинейных очертаний, с экспрессивным ритмом и подчиняющий себе композицию произведения. Для живописи модерна характерны «ковровые» орнаментальные фоны и натуралистические фигуры и детали (Густав Климт), силуэтность, использование больших цветовых плоскостей или нюансированной монохромии. Динамикой и текучестью отличаются скульптуры этого периода, виртуозной игрой хрупких линий – книжная графика. Большая часть художественных открытий и достижений модерна принадлежать XX веку. В конце XIXстолетия с зарождающимся стилем в той или иной мере были связаны архитектор Антонио Гауди в Испании, бельгийский архитектор В. Орта, живописцы и графики А. де Тулуз-Лотрек, П. Гоген, художники группы "Наби" во Франции, Э. Мунк в Норвегии, О. Бёрдсли в Великобритании, Ф. Валлоттон в Швейцарии.

Символизм оказал сильное влияние на живопись и скульптуру модерна, который стремился переходить от традиционных форм к новейшим европейским течениям, носившим иногда условную принадлежность к той или иной стране.

Художники модерна использовали в своём творчестве разные формы: греческую архаику, крито-микенское искусство, античную классику, искусство Китая и Японии, Готику, Ренессанс, искусство этрусков и Рококо. Одним из основных стилеобразующих средств в искусстве модерна является орнамент характерных плавных криволинейных очертаний, с экспрессивным ритмом и подчиняющий себе композицию произведения. Стремление к целостности пластических внешних и внутренних, декоративных и конструктивных частей изображения, динамика и текучесть форм и линий и есть отличительные особенности стиля Модерн.

Художники эпохи модерна стремились к стилистическому единству: картины, шпалеры, украшающие стены, мебель, изделия из стекла, столовые приборы, а также одежда и ювелирные украшения – вообще всё, что находится в оформляемом ими пространстве, соответствовало единой стилистике. В модерне широко использовалась декоративность и плоскостность изображения, вьющиеся, гибкие линии, узоры и орнаменты. И было не важно, для чего предназначен такой декор – для пары серёжек или для фасада здания.

Для живописи модерна характерно стремление к созданию самостоятельной художественной системы. Одним из основоположников этих идей стала понт-авенская школа с Полем Гогеном. В отличие от других стилей, картины и панно в модерне рассматривались как часть интерьера, придавали ему новую эмоциональную окраску, поддерживали его целостность. Поэтому декоративность стала одной из главных отличительных средств живопии модерна.

Для живописи модерна очень характерно сочетание декоративность, «ковровых» фонов и очень реалистичных, проработанных фигур и лиц (Г. Климт, Ф. Кнопф, М. А. Врубель, А. Муха), а также больших цветовых плоскостей (Л. С. Бакст, Э. Мунк) и тонких прописанных нюансов (М. Врубель, А. Бенуа). Все эти художественные приёмы придавали картинам большую выразительность. Символизм также привнёс в живопись модерна большой вклад; широко представлены темы мировой скорби, смерти, эротики, также художники обращались к миру сна, легенд, сказок и т.д. Одним из ярких представителей такого символического модерна был Густав Климт. Модерн был распространён по всей Европе и Америке: Австрия, Великобритания, Германия, Франция, Италия, Россия, Бельгия, Голландия, США и др.

Одним из основоположников французского модерна считается Поль Гоген и художники его круга. Также одним из известнейших мастером модерна во Франции был Анри де Тулуз-Лотрек. Также одну из важнейших ролей сыграло творчество чешского декоратора Альфонса Мухи. В Испании большую известность за свои оригинальные индивидуальные проекты получил Антонио Гауди.

Черты, характерные для модерна, в Великобритании появились уже 1880-х годах. Одним из наиболее известных художников модерна был Обри Бёрдсли, который занимался книжно иллюстрацией. Одним из главных представителей модерна в Великобритании был шотландский архитектор Ч. Р. Макинтош. Он выполнял самые различные художественные работы от проектирования зданий до дизайна обоев и оказал огромное влияние на развитие архитектуры и искусства всей Европы.

В США архитектор Луис Салливан использовал орнаменты в стиле модерн для украшения фасадов спроектированных им зданий. Ведущим представителем Ар Нуво был Луис Комфорт Тиффани, живописец и художник по стеклу. Он изобрел уникальное стекло с радужным отливом, которое назвал favrile и использовал при изготовлении своих знаменитых ваз и ламп в форме цветов.