Японский дизайн: традиционная и актуальная проектная культура
Курьерова Г.Г. Итальянская модель дизайна. Проектно-поисковые концепции второй половины XX века. М., 1993. Михайлов СМ. История дизайна. М., 2004. Т. 2. Гл. 2.3, 3.2, 4.3. 100 дизайнеров Запада. М., 1994. Статьи «Беллини», «Бранци», «Джуджа-ро», «Кастильони», «Коломбо», «Мендини», «Оливетти», «Понти», «Сотт-сасс». Круговорот традиций и современности Европейские историки и критики дизайна отмечают, что в японском дизайне сочетаются дух Востока и Запада, историческое прошлое и завтрашний день. «Японскому дизайну свойственна живость и легкость итальянского и французского постмодерна, немецкая точность, гибкость классического скандинавского стиля, бравурность американского стайлинга... С одной стороны, он эклектичен, а с другой, если принять во внимание конечный результат, — оригинален» [Эрнеи, с. 30]. В нем естественно переплетаются традиции ремесла с бережным отношением к натуральным материалам и высокотехнологичное производство. Особенно это свойственно классике, такой, например, как
стул «Butterfly» Сори Янаги (рис. 73). В этом стуле соединились традиции японского дизайна, созерцательность простоты, отработанная веками эргономика с новыми тенденциями в искусстве начала XX в., стремлением к геометричности, элементарности форм. Вещь как иероглиф и в то же время абсолютно технологичная, ясная по конструкции. Стул получил золотую медаль на Миланской триеннале в 1957 г. Также традиционны и в то же время Часть V Национальные модели дизайна и глобальное поле деятельности
Когда в Москве в 1983 г. проходила выставка японского дизайна, ее устроители использовали эффектный ход для того, чтобы познакомить людей совершенно другой культуры с достижениями художников, контекстом жизни и традициями. Был представлен каталог, «построенный» дизайнером-графиком Танака Икко по принципу календаря. «Сущность эстетического восприятия японцев заключается в том, что, наделяя названием и формой саму природу, которая так глубоко заложила корни сезонного мироощущения, японцы старались не выражать его в фиксированной форме, а сохранять его живую форму», — читали посетители выставки в каталоге [см.: Японский дизайн]. Четыре сезона, четыре состояния природы и настроения. Весна. Весенние мотивы в росписи лаковой шкатулки и одежде, плотницкие инструменты, стул «Butterfly» и юмористические керамические фигурки в духе поп-арта. Лето. Стул из стеклянных плоскостей и бумажные абажуры, плетеные ширмы и корзинки для еды. Стальные ножи и керамические ножницы. Традиционные заводные игрушки и пластмассовые роботы. Осень. Яркие цвета опадающей листвы. Четырехструнный музыкальный инструмент и электроорган фирмы «Ямаха». Летящие журавли на шкатулке и изображение рисовых стеблей с колосьями на театральном костюме. Элегическое настроение во всем. Зима. Зимний пейзаж на кимоно, огонь очага и стоящий на огне чайник, современная кухня, тепло и уют, ледяной дворец и мотонарты, игрушки-головоломки и компьютер. К представленным на выставке осенним мотивам вполне могла бы подойти и сделанная десятилетием позже настольная лампа «Журавль» Исао Хосоэ. В ее устройстве масса технических находок. Подставка бесшумно и мягко перемещается по столу на скрытых колесиках. Противовес всегда удерживает абажур в горизонтальном положении, на какую бы высоту вы его ни подняли. И в то же время эта вещь символична и традиционна. Правда, как отмечал в статье о выставке в журнале «Техническая эстетика» Вильям Пузанов, мы увидели не один, а два или даже три дизайна. Первый — традиционный, ремесленный, японский. Второй — современный, технологичный, интернациональный, рассчитанный на потребителя любой западной страны. Третий — эклек- Глава 7. Японский дизайн: традиционная и актуальная проектная культура 267
Освоение европейских и американских технологий История японского дизайна как история массового серийного производства начинается, быть может, с 1868 г., когда страна открыла двери для европейцев. Процесс модернизации, занявший около 100 лет, был направлен на внедрение западных технологий в тяжелую и легкую промышленность. В 1899 г. на японском рынке появляется электрическая лампа, выпущенная компанией, прародительницей современной «Тошибы». В 1919 г. Камасуки Мацусита основывает компанию по производству электроприборов, известную ныне под брэндом «Панасоник». В 1925 г. начинается выпуск радиоприемников, основанных на американских моделях. Когда в 1926 г. император Хирохито взошел на трон, миллионы японцев слушали репортаж о церемонии у себя дома. К 1931 г. было продано почти 900 тыс. радиоприемников. В период Тайсё (1912—1926), краткий, но культурно насыщенный, японский графический дизайн многое заимствовал из стиля ар деко и кубизма. В это время возник интерес и к русскому авангарду. С 1926 по 1974 г. издавался ежемесячный журнал «Новости промышленного искусства». Важную роль в развитии дизайна играл Институт промышленного искусства, созданный при Министерстве торговли. В основу теоретической базы института легли взгляды Бруно Таута, известного архитектора, члена «Веркбунда», эмигрировавшего в СССР из нацистской Германии. В 1933 г. он приехал в Японию, а в 1936-м стал консультантом института. В 1940 г. Японию по приглашению Министерства торговли посетила французский дизайнер Шарлотта Перрио, автор многих проектов мебели и интерьеров, работавшая вместе с Ле Корбюзье. Перрио знакомилась с традиционными японскими ремеслами и материалами, а перед возвращением в Европу организовала выставку под названием «Традиция — Выбор — Творчество», представив на ней свои дизайнерские работы, сделанные за время пребывания в стране из традиционных материалов — бамбука и дерева. Наряду с тенденцией развития промышленного искусства в европейском духе сохранялась линия на возрождение народных традиций Часть V. Национальные модели дизайна и глобальное поле деятельности Глава 7. Японский дизайн: традиционная и актуальная проектная культура 269
в производстве предметов быта. Соцу Янаги основал Ассоциацию народного искусства, преследующую цель открыть заново красоту, целостность, рациональность повседневных вещей, созданных анонимными мастерами. 2 сентября 1945 г. японское правительство подписало Акт о безоговорочной капитуляции. Вторая мировая война кончилась. Началась передача страны в управление Главнокомандования силами союзников. Институт промышленного искусства получил приказ в кратчайшие сроки подготовить проекты 30 образцов мебели и организовать производство для того, чтобы обставить более 20 тыс. домов, выстроенных для оккупационных сил. К работе было привлечено около 2 тыс. небольших компаний, разбросанных по стране. На основе американских моделей японцы также производили для этих домов электрооборудование, стиральные машины, холодильники, кухонные принадлежности. За два года Япония овладела американской промышленной технологией в бытовых отраслях. Американские вещи все более и более проникали в японскую культуру и быт. Сформировался образ «западного стиля жизни», частично сохранившийся и поныне. В 1959 г. оккупация Японии официально завершилась. Страна вступила в индустриальную эпоху, ознаменовавшуюся своеобразной «потребительской революцией». С 1954 по 1958 г. производство телевизоров выросло в 47 раз, холодильников — в 24 раза. В крупных фирмах: «Ма-цусита», «Мицубиси», «Хитачи» — открылись отделы дизайна. Первые выпускники отделений дизайна, созданных в некоторых университетах, в частности в Токийском государственном университете искусств и музыки (подготовка дизайнеров была начата в 1951 г.), быстро поглощались автомобильными компаниями и фирмами, выпускающими радиоэлектронику. Среднее бюро готовило до 100 проектов в месяц. В 1952 г. была основана Японская ассоциация промышленного дизайна. В 1957 г. Министерство торговли, используя британский опыт, ввело систему поощрений за «хороший дизайн» — так называемую «G-mark». Мотивы американского дизайна нередко буквально воспроизводились в формах бытовой радиотехники или транспортных средств. Сверхскоростной японский поезд «Хикари» 1960-х гг. напоминал обтекаемые дизельные поезда США 1930-х гг. В последующие годы эти аналогии и заимствования приобретали ироничный подтекст. Стул Арата Исозаки 1983 г. с высокой спинкой, как у Макинтоша, назывался «стул Монро». По словам автора, изгиб спинки стула навеян линией ног киноактрисы. Несмотря на заимствования проектов и моделей товаров из Европы и Америки, японские фирмы довольно быстро начали модернизировать и изменять прототипы, нередко выходя на самостоятельные разработки. В то же время не прекращалось и развитие традиционных ремесел и технологий. Известный во всем мире дизайнер Сори Янаги, работая над излюбленными для японского дизайна темами — мебелью и керамической посудой, сумел примирить традиции ремесла, чистоты формы и стандартизацию, технологичность промышленных изделий. Обретение самостоятельности В I960—1970-х гг. экономика Японии, а с ней и дизайн вступили в новый этап. Проводятся международные конференции по дизайну, в 1973 г. в Киото состоялся конгресс ИКСИД. Японские дизайнеры и графики оформляют Всемирные выставки (Осака, Окинава), разрабатывают фирменные стили этих мероприятий. В 1964 г. в Японии проходят Олимпийские игры, для которых Масару Кацумие создает интернациональную систему визуальных коммуникаций. Дизайн становится не просто инструментом организации этих событий, не только связующим звеном, но и постоянной темой обсуждений широкой общественностью. С дизайном начинают связывать решение многих проблем человечества: экологии, урбанизации, образования, взаимодействия национальных культур. Японские дизайнеры стажируются в Европе, прежде всего в Милане, столице европейского дизайна. В страну для разработки новых видов изделий приглашают знаменитых дизайнеров из Италии, Германии. М. Беллини в 1975 г. проектирует радиоаппаратуру для «Ямахи», Л. Колани в Японии открывает свою студию и выполняет перспективные разработки фотоаппаратуры для фирмы «Canon». В 1969 г. Институт промышленного искусства, занимавшийся в течение 40 лет анализом промышленной продукции, был реорганизован в научно-исследовательский центр разработки новых видов изделий. Наряду с государственными структурами возникли и независимые дизайн-бюро. Одно из старейших — GK (Group Koike), созданное в 1957 г. учениками профессора Койке в Токийском университете искусств и возглавляемое Кендзи Экуаном. Среди первых проектов — упаковка и бутылки для соевого соуса, а затем городская мебель и Часть V. Национальные модели дизайна и глобальное поле деятельности Глава 7. Японский дизайн: традиционная и актуальная проектная культура
Как никогда ранее разнообразными стали области деятельности. Разработчики автомобилей и электротоваров проникли в строительство. Компании по производству фотоаппаратуры занялись офисным оборудованием. Дизайнеры стремятся создавать приятный, радостный продукт, соответствующий современному уровню восприятия и культурному опыту. Не только узко понятая функциональность, но и учет всего спектра возможностей восприятия и воздействий на чувства человека: зрительные, тактильные, слуховые. Игра форм не только на уровне пропорций и их восприятия как гармоничных, «хороших», но и на уровне ассоциаций, метафор. Этот опыт пришел из Италии благодаря постмодерну и дизайн-объектам группы «Мемфис». 1980-е годы стали временем подъема дизайн-бизнеса в Японии. В 1985 г. в стране насчитывалось более 120 тыс. дизайнеров1. Японские компании в своих зарубежных филиалах создают дизайн-бюро, чтобы точнее учитывать запросы потребительских групп. Понятие национального дизайна размывается. Изделия по проектам Хиро Курамата, Мотоми Каваками, Тосиюки Кита производятся во Франции, Германии. В то же время в Японии продолжают работать дизайнеры и архитекторы из других стран. Стиль, образы и технология постиндустриального мира Ханае Мори — первый японский модельер, получившая известность на Западе, второй — Кензо Такада, третий — Иссей Мияке. Формы его одежды навеяны традиционными японскими мотивами. Конструкция кимоно — «вечная» тема для современных дизайнеров, которых подкупает геометрическая простота выкройки. Мияке учился как график в университете Тама в Токио, занимался театральными постановками, стажировался в Париже у модельеров Юбера де Живанши и Ги Лароша. Именно в Париже прошел его первый крупный показ моделей одежды. И уже как модельер он вернулся в Токио и открыл свою студию.
Мияке стремится делать такую одежду, в которой человек чувствовал бы себя свободно, естественно, раскрепощенно. Его модели всегда выполняются из мягких фактурных тканей, трикотажа, позволяющих вмешиваться в саму конструкцию переплетений, создавать комбинации из нитей с различными свойствами. «Эпик» («A Piece of Cloth») — так называется одна из последних серий Мияке (1997—2000), основанная на технологии трикотажа и позволяющая покупателю участвовать в моделировании формы одежды или аксессуаров.
«Представьте: нить тянется в машину, которая, в свою очередь, производит полностью законченную одежду, используя новейшую компьютерную технологию, отбрасывая неизбежные ранее кройку и шитье ткани... Окончательный завершающий этап осуществлялся в присутствии покупателя» (рис. 74)1. Мияке покровительствует дизайнерам. Во многом благодаря его активности Токио превратился в одну из мировых столиц дизайна. Среди его протеже был Хиро Курамата, прославившийся своими стульями из просеченного полупрозрачного металла (напоминающего ткань) и из прозрачного толстого оргстекла, внутри которого, как в глыбе льда, были запаяны цветки роз. Курамата — автор нетрадиционного решения пространства, в котором доминируют эмоциональные тонкие нюансы ощущений. Он обладал способностью создавать запоминающиеся формы, используя минимальные средства. Особым характером обладает и его упруго изогнувшийся комод 1970 г. со множеством ящичков, один из серии проектов мебели на основе «нестандартных форм». В 1980-х гг. Курамата участвовал в выставках группы «Мемфис», привнося в мебель и
1 Clothing for the Future. Captured by Imagination and Technology. Issey Miyake // A-Poc Making. Issey Miyake & Dai Fujiwara. Weil am Rhein, 2001. P. 68. Часть V. Национальные модели дизайна и глобальное поле деятельности Глава 7. Японский дизайн: традиционная и актуальная проектная культура
В 1960-х гг. Япония становится мировым лидером в области радиоэлектроники, особенно в создании миниатюрных устройств. При этом дизайнерам пришлось заново переосмыслить сам образ радиоприбора. Что это — украшение, безделушка или совершенное техническое устройство? На дизайн радиоэлектроники повлияло и начало освоения космического пространства в 1957 г. В 1960-х гг. фирма «Сони» выпускает телевизор в виде подвесного черного шара с антенной, напоминающего искусственный спутник. С точки зрения экономии площади — это максимально удобная вещь. Причины популярности японской радиоэлектроники не только в техническом качестве, надежности, но и в стилистике формы. С одной стороны, это, несомненно, домашние, любительские приборы. С другой стороны, они выглядят как профессиональные — серьезно и основательно.
Японцы первыми вступили в постиндустриальную эру. Своеобразной точкой отсчета стало появление популярной модели портативного плеера «Sony Walkman» (рис. 75). В 1972 г. в компании был создан информационный центр, где собирались данные о продаже изделий, технических новинках, изделиях конкурентов, о том, как и чем живут служащие фирмы. Однажды в этот центр поступила информация о том, что служащий одного из подразделений в свободное время собрал из бросовых деталей магнитофонов маленькое проигрывающее устройство и слушает музыку на работе через наушники, чтобы не мешать окружающим. Информацией заинтересовалась дирекция. Была выпущена пробная партия, а в 1979 г. начался серийный выпуск. Успех оказался ошеломляющим. Сложилась концепция нового прибора-экипировки для жизни: музыка, которая всегда с вами. Удачным оказалось и название нового устройства: «Walkman» — гуляющий человек. Идея портативных устройств была развита компанией (само название «Sony» возникло в 1960-х гг. как производное от латинского sonorous — «звучный») в серии проигрывателей для компакт-дисков «Diskman», радиоприемников и телевизоров «Watchman». Один из перспективных проектов — терминал компьютера, объединенный с интерфейсом программ. Виртуальное пространство и реальное сливаются. После коммерческого успеха плеера «Walkman» многие компании открыли отделы по изучению рынка для того, чтобы оперативно отслеживать новые тенденции, предпочтения разных социальных групп, точно выявлять запросы. Мобильный телефон давно уже стал универсальным средством коммуникации. В нем есть функции фотоаппарата, компьютера, плеера, радиоприемника. В Японии он заменяет кредитную карту и удостоверение личности. Предполагается использовать его и для входа в токийское метро вместо традиционных транспортных карт. Несмотря на интернациональный характер многих дизайнерских решений, в японских изделиях сохраняются специфические национальные черты. В облике мотоцикла «Kawasaki» для бездорожья прослеживается что-то напоминающее древние боевые доспехи самураев. Японские игрушки и роботы последних поколений, напротив, отличаются мягким, дружелюбным, неагрессивным внешним видом. В них чувствуется влияние научно-фантастических фильмов и компьютерной анимации. В Японии уже в средней школе вводятся специальные занятия по цвету, моделированию форм и предметов. Оригами как искусство трансформации из плоскости — неотъемлемая часть обучения. Изобретательность и пространственное воображение, вкус к технологии и алгоритмам моделирования, абстрактное и символическое мышление — все это развивается в ходе складывания объемных фигур из квадратного листа бумаги. От моделирования форм из бумаги — к пониманию взаимоотношения человека и вещи, пониманию факта рождения и умирания вещи. «Человеческие чувства, сформированные в совокупности всех этих разнообразных ощущений, позволяют осознавать красоту бытия вещей» — такова задача обучения в школе1. Вопросы и задания 1. Как аналогии с циклическими природными процессами позволяют понять традиционные и современные формы японского дизайна?
18-4651 Часть V. Национальные модели дизайна и глобальное поле деятельности
2. 3. Что послужило толчком к появлению целого класса портативных ра 4. Как современные технологии отражаются в возможностях формообра Литература Эрнеи Д. Тысяча Будд и триумф дизайна// Интерпрессграфик. 1987. № 3. Японский дизайн. Традиции и современность: Каталог выставки / Под ред. Танака Икко и Коикэ Кадзуко. Токио, 1984. The Conran Directory of Design / Ed. S. Bayley. N.Y., 1985.
|
Литература
авангардны бумажные абажуры для светильников скульптора и дизайнера Исаму Ногучи.
тичный, сплавленный из актуальных стилевых тенденций и направлений.
оформление Всемирной выставки 1970 г. в Осаке. С момента создания студия постоянно сотрудничает с компанией «Ямаха», несмотря на то что там существует своя дизайнерская служба.
1 См.: Sato К. Japan: From Anonimous Craftsmanship to Western Model // Dominion of Design. History of Industrial Design. Milan, 1991. P. 248.
интерьеры привкус японской традиционности за счет проработки деталей и пропорций при сохранении экспрессивности форм.
1 Цит. по: Устинов А.Г. Дизайн в японской школе // Техническая эстетика. 1988. №6. С. 12.
Назовите исторические события, повлиявшие на ускоренное освоение
