ЭкзистенциализмХудожественные образы, как считает М. Хайдеггер, не имеют объективного содержания. Художественное творчество, по его мнению, есть одновременно и «создание бытия». Между действительностью и произведением искусства нет, разницы, поскольку и то и другое по своей сущности относится якобы к области духовного. Социальный аспект художественной культуры рассматривается преимущественно в работах французских экзистенциалистов – Сартра и Камю. У Камю, пожалуй, наиболее полно выражены экзистенциалистские идеи о месте искусства в жизни общества. Для Камю, как и для других экзистенциалистов, мир представляетсялишенным закономерности. Отсюда делается вывод о бессмысленности жизни. (См.: «Миф о Сизифе»). В юности А. Камю считал искусство прекрасной иллюзией, которая хотя бы на краткое время дает забвение боли и страдания. Затем он пришел к мысли. Что искусство – это «свидетельство» - яркий свет художественного произведения высвечивает жизнь, которую нужно принять, сказать ей «да», не зная на злобы на мир, ни удовлетворенности. Идеи абсурдности, бессмысленности жизни нашли свое отражение в «театре абсурда». Можно сослаться на современного французского романиста и драматурга Самуэля Беккета. В пьесах «Конец игры», «Последняя лента магнитофона» он изображает физически и духовно изуродованных людей, одержимых ужасом перед грядущей катастрофой. События в этих пьесах не имеют никакой логики, диалог и вообще слова лишены определенного значения. Мир – это страшный хаос – вот, по существу, вывод из пьес Беккета. Он заставляет нас прикоснуться к абсурду в его драматизме и комизме, ставшими обыденностью. Многие приемы парадоксального осмысления мира разработаны в драматизме абсурда Эжена Ионеско (1909-1994):
Вне нелепо Не шляпа на мне а репа … становится жабой моя чернильница … смехом крик свет полночной мглы смертью жизнь а другие мной (Ж. Тардье).
Театр абсурда – одно из характерных проявлений эстетики модернизма.
Модернизм Модернизм(от франц. moderne – новейший, современный) – один из основных методов в искусстве первой половины ХХ в. Термин «модернизм» принимается для определения антиреалистических, формалистических течений в искусстве ХХ в. Хронологию модернистского искусства обычно связывают с развитием изобразительного искусства от импрессионизма (60-70-е годы Х1Х в.) до абстрактного экспрессионизма (40-50 годы ХХ в.). Контуры модернистского эстетического проекта намечаются уже в эпоху Просвещения. Реализм, давший в Х1Х в. гениальных писателей (Ч. Диккенс, О. Де Бальзак, Л. Толстой) – ставил своей целью изображение реальной действительности и больше ничего. Но уже во 2-й половине Х1Х века раздаются голоса против ограниченности реализма, и возникает потребность применять в искусстве новые, не реалистические методы. «Отдаленными предшественниками и создателями этого нового искусства» является Артур Шопенгауэр, Рихард Вагнер, Фридрих Ницше и Оскар Уайльд. Интерес представляет не реальная действительность, а само искусство. О. Уайльд писал: «В сущности, Искусство – зеркало, отражающее того, кто в него смотрится, а вовсе не жизнь». Таким образом, главная идея модернистского эстетического проекта состояла в том, что наука, мораль и искусство должно развиваться в соответствии с их собственной логикой развития и по их особым законам. Наиболее полно и ярко этот проект реализовался в ХХ веке, затронув большинство видов искусства: изобразительное искусство (П. Пикассо, В. Кандинский, К. Малевич, М. Шагал, С. Дали), художественную литературу (М. Пруст, Дж. Джойс, Ф. Кафка), музыку (А. Шенберг, И. Стравинский), архитектуру (Ле Корбюзье), театр (В. Мейерхольд, С. Бекет, Э. Ионеско) и др.
Основные направления модернизма Кубизм (франц. cubisme, от cube - куб) – одно из постимпериалистических направлений во французском искусстве 1900-1910-х годов, основателями которого были П. Пикассо и Ж. Брак. Своим названием кубизм обязан обилию прямых линий, граней и кубоподобных форм в живописных композициях. Различают три периода в его развитии: 1907-1909; 1909-1912; 1913-1914. Футуризм (от лат. futurum – будущее) – литературно-художественное направление в Италии и России начала ХХ века. Все помыслы футуристы связывали с будущим. «Манифест футуризма» итальянского поэта Ф.Т. Маринетти был опубликован в 1909 г. Футуристы стремились к непосредственному эмоциональному отображению окружающего мира высоких скоростей. Они разработали особый тип картины – «энергетические» композиции, представляющие собой раздробленные на фрагменты геометрические фигуры и пересекающие их острые углы. Один из принципов их построения – симультанность, т.е. одновременное представление различных моментов движения (У. Боччони, Дж. Балла, Д.Д. Бурлюк). Экспрессионизм (франц. expressionisme, от expression – выразительность, выражение) – литературно-художественное направление, возникшее в начале ХХ века и особенно ярко появившееся в Германии и Австрии. Его появление было тесно связано с деятельностью дрезденовского объединения художников «Мост», основанной в 1905г. Инициатором создания этого объединения был Эрнст Людвиг Кирхнер (1880-1938). Основа их стиля – деформация ради обостренной передачи человеческих чувств; изломанность художественной формы, контрасты красок и светотени, резкие смещения планов. Абстракционизм (англ. Abstractionism, франц. Abstractionnisme, abstractivisme, от лат. Abstractus – отвлеченный), беспредметное искусство, конфигуративное искусство, конкретное искусство – направление в искусстве ХХ века, ставящее во главу угла формальные элементы – линию, цветовое пятно и отвлеченную конфигурацию. Считается, что первую абстрактную композицию исполнил в 1910 году русский художник В.В. Кандинский (1866-1944). Сюрреализм (от франц. Sur – над – означает «надреализм») – литературно-художественное направление начала ХХ века, ориентирующееся на подсознательную деятельность и воображение художника. «Папа сюрреализма» - французский поэт Андре Бретон (1896-1966), возглавивший новое направление модернизма, опубликовав в сотрудничестве с другими поэтами и художниками в 1924 году в Париже «Первый манифест сюрреализма». Наиболее противоречива и активна авангардная (передовая) тенденция модернизма – абстракционизм. Это был бунтарский поиск новых форм и функций искусства на грани искусства и неискусства; попытка изобразить неизобразиммое (беспредметный мир, невидимую внутреннюю духовную сторону природы). Абстракционизм испытывает отвращение к «копированию» натуры. Отрыв искусства от реальности достигает здесь своей высшей точки. М. Сейфор следующим образом определяет это направление: «Я называют абстрактным искусством всякое искусство, которое не содержит ни какого напоминания, ни какого представления о реальности, независимо от того, была ли эта реальность или не была исходным пунктом творчества художника». Абстракционизм сформировался в 1910-х гг. сразу в нескольких европейских странах. Крупнейшими его представителями и основоположниками были В.В. Кандинский и К.С. Малевич в России, П. Мондриан в Голландии, Р. Делоне и Ф. Купка во Франции. Разработанный ими метод отвлеченных построений служил для выражения внутренних закономерностей и постигаемых с помощью интуиции сущностей, которые скрываются за приходящими явлениями видимого мира. Для В.В. Кандинского, К.С. Малевича и П. Мондриано первоэлементами формы были наделенные духовным содержанием живописные знаки, из которых складывались пластические формулы, отражавшие отношения между элементами универсума. Р. Делоне, в свою очередь, отвергая идеалистическую метафизику единомышленников, ограничивался исследованиями живописного языка, концентрируя свое внимание на динамических качествах цвета. В произведениях абстракционистов 1911-1912 годов были популярны изображения различных геометрических фигур: круга, квадрата, треугольника, конуса, прямоугольника. Подобное увлечение формалистическим поиском привело в свое время Казимира Малевича (1878-1935) к созданию первого «супрематического» произведения – изображения черного квадрата на белом фоне. К. Малевич говорил, что это изображение не было пустым квадратом, а было «восприимчивостью к отсутствию предмета». За черным квадратом последовали другие изображения – красных и даже белых квадратов на белом фоне. В дальнейшем Малевич изобразил на белом фоне треугольник, соприкасающийся в разных местах с прямоугольниками, треугольниками, кругами. Название работы («Динамический супрематизм») предопределило наименование основанной Малевичем разновидности абстракционизма – супрематизма (франц. Supreme означает «высший»). Черный квадрат К. Малевича стал символом абстрактного искусства. Его появление художник датировал 1913 г. В 1913 г. в Петербурге в Луна-парке была поставлена пьеса-опера Крученых «Победа над солнцем» (название полемическое к девизу Бальмонта «Будем как солнце» и символизировало победу нового искусства над старыми канонами красоты). Оформляя спектакль, Малевич и создал черный квадрат на белом фоне, назвав его в письме к М. Матюшину (композитору оперы) «зародышем всех человеческих возможностей». По Малевичу «Квадрат не подсознательная форма. Это творчество интуитивного разума. Лицо нового искусства! Квадрат живой царственный младенец. Первый шаг чистого творчества в искусстве. До него были наивные уродства и копия натуры. Наш мир искусства стал новым, беспредметным, чистым. Исчезло все, осталась масса материала, из которого будет строиться новая форма. Существуют две разновидности абстракционизма, которые наметились после его появления: геометрический, основанный на правильных четко очерченных конфигурациях (К. Малевич, П. Мондриан и близкий к ним Р. Делоне), и лирический, в основе которого лежат свободно текущие формы (В.В. Кандинский). Наибольшего расцвета абстракционизм достиг после второй мировой войны, став главным направлением в искусстве стран Западной Европы и Северной Америки. Современные художники отдают предпочтение лирической абстракции, внутри которой зародились новые течения: абстрактный экспрессионизм (Дж. Поллок, Х. Хофман, А. Горки, Р. Мазеруэлл, М. Ротко, Ф. Клайн), ташизм (Ж. Матье, П. Сулаж, Ж. Базен, Э. Ведова, А. Йорн), иероглифический абстракционизм (М. Тоби, М. Грейвз, Дж. Бисье, А. Мишо), которые утрачивают универсально-метафизическую основу. Эти течения используют абстрактную форму только для непосредственной фиксации психических состояний, переживаний и ощущений художника. Делая акцент на особенностях искусства и его автономии, модернизм вводит в оборот новые эстетические понятия. Прежде всего это понятия артефакта (лат. Artefactum – искусственный), которое означает понимание произведения искусства как такого явления, которое не существует в природе, а создано исключительно руками и талантом человека. Артефакт отличают: 1) условность, характеризующая язык искусства; 2) уникальность, подчеркивающая неповторимость произведения искусства; 3) стиль и форма, характеризующие произведение искусства с внутрихудожественной стороны. Создаются многочисленные эстетические и искусствоведческие теории: структурно-семиотические, формально-стилистические и др. С модернизмом связано возрождение интереса и к античному катарсису. Катарсическое (очищающее) воздействие искусства на чувства человека напрямую связывается с воздействием художественной формы произведения искусства. Природа искусства модернизма проанализирована испанским философом Хосе Ортега–и–Гассетом (1883-1955) в статье «Дегуманизация искусства». Он подчеркивает не популярность и даже враждебность нового искусства в массах, его обращенность к немногим, избранным: «оно не народно по самому своему существу; более того, оно антинародно». В новом стиле Ортега–и–Гассет выделяет основные черты (тенденции): 1) тенденцию к дегуманизации искусства; 2) тенденцию избегать живых форм; 3) стремление к тому, чтобы произведение искусства было лишь произведением искусства; 4) стремление понимать искусство как игру и только; 5) тяготение к глубокой иронии; 6) тенденция избегать всякой фальши.
Постмодернизм Постмодернизм (лат. Post - после + модернизм) – искусство второй половины ХХ века. Его называют искусством постиндустриальной эпохи, сформировавшей свои собственные представления о человеке и его культуре. Это искусство заявило о себе в конце 50-х - начале 60-х годов сразу несколькими новыми направлениями: поп-артом, перформансом (форма – преобразованием), концептуальной поэзией, первыми музыкальными рок-группами и архитектурными проектами. Среди наиболее известных постмодернистов можно назвать: Р. Раушенберга, Э. Уорхола, Ж. Тенгели – в изобразительном искусстве; Дж. Кейджа и К. Штокхаузена – в музыке; Р. – В. Фасбиндера, П. Гринуэя, Ж.-Л. Годара, С. Соловьева, К. Муратову – в кинематографе; Ч. Дженкса, Р. Роджерса, Р. Пиано, Й. Уотсона – в архитектуре. Т. Пинчсон, Дж. Барт, У. Эко, Ж. Перек, С. Рашда, Э.Л. Доктороу – в литературе. Многие усматривают постмодернизм в творчестве Х.Л. Борхеса, Х. Кортасара, К. Фуэнтеса, И. Кальвино, во французском «новом романе». В разработке философско-эстетических программ постмодернизма приняли участие крупнейшие философы и психологи второй половины ХХ века: Ж. Делез, В. Гваттари, Ю. Кристева, Ж. Деррида, Ж. Лиотар, Ф. Джеймиссон, Ж. Бодрийяр, С. Гроф. Постмодернизм не принимает основной тезис модернистской эстетики о специфической природе искусства. Поэтому говорят о близости между постмодернизмом и постструктурализмом. М. Фуко, Р. Барт, Ж. Деррид отмечают, что культура - это набор кодов или символов. Отсюда поэма или картина не есть больше артефакт, описанный в модернистских терминах уникального и незаинтересованного. Эстетик размышляет здесь не над произведением, имеющим своего автора. А скорее над анонимным текстом. Например, возьмем необычайно популярный сегодня роман швейцарского писателя Патрика Зюскинда «Парфюмер: история одного убийцы». Лежащая в основе замысла метафора запаха как универсальной подсознательной, всеохватной связи между людьми позволяет предложить бесконечное количество интерпретаций. Постмодернизм, с одной стороны, - искусство анонимности, молчания. Поэт – концептуалист С. Соловьев считает:
Речь – припадок безмолвия, Эпилепсия тишины С другой стороны, - это искусство утилитарности, банальности и даже вульгарности. Постмодернизм уравнивает «высокое» и «низкое», смешивая «высокое» с «последним» мусором жизни» (Б. Гройс). Так, в художественной литературе смещаются условные границы между «высоколобой» культурой и низовыми коммерческими жанрами. Например, интеллектуальный роман о жизни в средневековом монастыре не пренебрегает крутой детективной интригой («Имя розы» Умберто Эко). Наиболее ярко «высокое» и «низкое» смещены в искусстве поп-арта (популярного искусства). Крестным отцом этого направления, получившего широкое распространение в Англии, США. Канаде и др. странах был Марсель Дюшан (1887-1968). Он начинал как модернист (дадаист), но затем активно включился в художественную жизнь 60-х годов. Первые признаки нового движения возникают на рубеже 40-х-50-х годов и уже с 1953 по 1957 г. можно выделить первую фазу развития английского поп-арта. Англо-американская новинка была своеобразным противовесом абстракционизму, она восстанавливала связь искусства с действительностью. «Поп-арт» в отличие от беспредметного искусства стремится к образности («фигуративности»). Но об образности в строгом смысле здесь говорить нельзя. Вместо художественного воспроизведения «поп-арт» предлагает сами предметы: стулья, электрические часы, чердачный хлам. Все это просто приклеивается к холсту, и этим дело сделано. Поп-арт означает «любить вещи» (Уорхол). В этом виде творчества главное место было отведено тому, что прежде считалось недостойным интереса художника. Всевозможная реклама, иллюстрации из газет, мебель, остатки пищи, одежда, предметы туалета, вещи технического обихода и ширпотреба оказались в центре внимания. Художник работает на минимуме выразительных средств и отменяет уникальность произведения искусства. В «Сушилке для посуды» М. Дюшана никак не отразились почерк или манера художника, поскольку это была стандартная фабричная сушилка. Пример с сушилкой показателем и характеризует особенности поп-арта. Сушилка меняет: - функцию вещи. Сушилка больше не «сушит», а предстает уже как объект эстетического любования, как «произведение искусства»; Дюшан реальные предметы (свои реди-мейд) считал искусством; - роль искусства. Роль искусства заключается в том, чтобы стать новым видом коммуникации (общения), которая включает и «массовую культуру»; - роль творца. Если художественное произведение отныне не столько дело рук мастера, сколько реальная вещь (фрагмент интеллектуальной практики или что либо др., взятое из самой жизни), то для творца на первое место выходит теперь не работа с материалом будущего произведения искусства на основе вкуса, наблюдательности и интуиции, а сами вкус, наблюдательность и интуиция, позволяющие увидеть в реальности то, что уже само по себе наполнено культурно-эстетическим смыслом. Было реабилитировано понятие «дилетант в искусстве». Наиболее видные представители нью-йоркской школы – Энди Уорхол, Рой Лихтенстайн, Том Вессельман, Джеймс Розенквист и Клаэс Ольденбург. Американец Энди Уорхол – самый известный творец поп-арта. Увлекался рекламой консервов Кэмпбелла – его звали «парень «Кэмпбелл-супа» (его композиция 1969 г. называлась «четыре супа фирмы Кэмпбелл»). В литературе оптимальной формой для постмодернистской эстетики являются коллаж, пародия, мобильные малые жанры, метароман; исторические повести, совмещающие изображение прошлого с современными вкраплениями. Постмодернизм реабилитирует «плагиат в искусстве»; тяготеет к повышенной цитатности, вниманию к чужому слову, постоянной оглядке на весь опыт искусства, к художественному многоязычию. Признаками постмодернистского художественного мышления являются интертекстуальная насыщенность, иронические игры с читателем, неоднозначность построения. Например, история мелодраматической любви вдруг завершается скептическим открытым финалом, в котором читателю предлагается на выбор несколько вариантов («Женщина французского лейтенанта» Джона Фаулза).
Литература к теме: [7; 14; 19; 26,с.4-10; 27,с.115]
Вопросы для самоконтроля: 1.Каковы особенности античной эстетики? 1. Как трактуются категории прекрасного и возвышенного в средневековой философии? 2. Что нового в развитие эстетики привнесли гуманисты эпохи Возрождения? 3. В чем состоит особенность модернизма? 4. Каковы отличительные особенности творческого метода постмодернистов? ТЕМА 5 УКРАИНСКАЯ ЭСТЕТИКА: ИСТОРИЧЕСКАЯ
|
