Живопись
После воцарения Екатерины II в Академии художеств произошли значительные изменения, Академия была как бы издана вновь. Годом ее основания, а фактически лишь дарования ей привилегий и открытия при ней воспитательного училища указано было считать 1764 год с той целью, чтобы честь открытия академии можно было приписать Екатерине II. В середине 60-х годов академию возглавил И.И. Бецкий, полагавший, исходя из педагогических воззрений своего примени, что душа ребенка представляет собой как бы чистую доску, на которой педагог может написать все, что требуется. Для осуществления этой идеи в академию стали принимать только пяти-, шестилетних мальчиков, с тем чтобы в условиях закрытого воспитательного учреждения превратить их в художников. Ученики академии делились на пять возрастов». Пребывание в каждом продолжалось три года. Три первых трехлетия уделялись общей подготовке, а два последних - специальной. Прохождение академического курса сопровождалось награждением за успешно выполненные работы Малой и Большой серебряными медалями, затем Малой и Большой золотыми. Окончившие академию с высшей наградой - Большой золотой медалью - получали право на заграничную командировку, что давало молодым художникам возможность приобрести широкую эрудицию в вопросах мирового искусства. Окружающая действительность считалась малодостойной внимания художника. Тем не менее в Академии художеств работа над изучением живой натуры занимала большое место. Будущих художников сначала обучали перерисовывать образцы - рисунки и гравюры, чтобы через чужое творчество усвоить «прекрасное», далекое от действительности. Затем начиналось рисование гипсовых голов и целых фигур и только после этого - рисование с натурщиков и, наконец, изучение композиции. Эта последовательность соблюдалась не особенно строго, но уже в первые годы существования академии в ней были твердо усвоены представления о сравнительном достоинстве и о порядке следования друг за другом жанров изобразительного искусства. Выше всего в Академии художеств ставился исторический жанр, работа над скульптурными произведениями или картинами на исторические темы. Причем в понятие «исторического» в Академии художеств XVIII века входили не только события, связанные с историей, но и легенды, христианская и античная мифология. Много ниже, чем историческая живопись, требовавшая от художника фантазии и творческого воображения, ставились пейзаж, бытовая живопись и портрет. Не случайно скульптор-портретист Федот Шубин с горьким чувством говорил о пренебрежении, которое слышится в словах «он портретный». Крупнейшим представителем русской академической школы XVIII века, основоположником исторической живописи в Академии художеств был Антон Павлович Лосенко (1737-1773), Детские годы будущего художника прошли на Украине. Он был сыном крестьянина, рано осиротел и мальчиком попал в придворный певческий хор. В юности Лосенко учился у И.П. Аргунова, а затем был направлен в Академию художеств, где сразу же обнаружилась его хорошая подготовка и выдающееся дарование. В академии и в период двукратного пребывания в Париже, а затем в Риме (в 1760-х) Лосенко настойчиво стремился к овладению мастерством, показав себя весьма самостоятельным художником. В начале 60-х годов в Париже Лосенко были написаны картины «Чудесный улов рыбы» и «Жертвоприношение Авраамово», получившие положительную оценку французских и русских художников. Часть 1763 года Лосенко провел в России. В атом году весной в Москве он написал известный портрет выдающегося деятеля русского театра Федора Волкова, в котором показал себя крупным портретистом, с подлинным воодушевлением и правдой охарактеризовав незаурядную личность Волкова - умного и талантливого, деятельного и смелого человека. Характерно, что другие портреты, написанные Лосенко, также изображают в основном крупных деятелей русской культуры: актера Я. Шумского, И.И. Шувалова, А.П. Сумарокова. Из Москвы Лосенко вновь уехал в Париж, а оттуда в 1765 году отправился в Италию. Он изучал памятники античности и искал пути к строгому и ясному стилю. В творчестве Лосенко сказались элементы классицизма, содержавшего в себе во второй половине XVIII века прогрессивные тенденции. Черты классицизма были впервые выражены Лосенко в картине «Зевс и Фемида» (1768-1769) и в двух больших работах 1768 года - академических штудиях обнаженного тела, условно названных «Каин» и «Авель». Они обратили на себя особое внимание на выставке в Академии художеств в 1769 году. При работе над этими изображениями натурщиков Лосенко ясно показывает связь между отдельными частями тела, последовательность сочетания сухожилий, мускулов, проступающих под кожей кровеносных сосудов. При этом Лосенка ничуть не поступался художественной, живописной выразительностью. Несмотря на специфический характер, картины отличались зрелостью, ясностью, высоким мастерством. В 1770 году Лосенко выставил в Академии художеств картину «Владимир перед Рогнедой». Ее сюжет был хорошо понятен образованным кругам общества XVIII века. Владимир, князь Новгородский, отвергнутый полоцкой княжной Рогнедой, вторгся в Полоцк, разгромил его, убил отца и братьев Рогнеды и насильно взял ее в жены. Сложность содержания картины требовала ясной и выразительной трактовки. Взволнованность главных персонажей передана Лосенко сильными движениями, напряженностью и динамикой форм. Несмотря на свой несколько театрально-условный характер, картина «Владимир перед Рогнедой» имела большое значение в развитии исторической живописи XVIII века. В то время как мастера всех академий черпали сюжеты из античной истории и мифологии, Лосенко обращается в этой картине к национальной русской истории, тем самым устанавливая ее равноправие с прославленной историей античного мира. Вслед за «Владимиром перед Рогнедой» Лосенко начал работать над картиной «Прощание Гектора с Андромахой». И в новой картине художник изобразил высокий пример служения отечеству. Гектор, один из героев Древней Трои, прощается с семьей, уходя сражаться за родной город. Содержанием картины является наличие патриотического подвига, который приносит бессмертие герою. Работа была не совсем закончена художником, но в ней вполне сказалось умение Лосенко создать возвышенное, величавое художественное произведение, полное искреннего волнения, поэтичности и метких жизненных наблюдений. Художник свободно владел многофигурной композицией, сложными светотеневыми приемами и умел создать торжественную архитектурную декорацию. Глубина идейного содержания произведений, их увлекательность, мастерство исполнения сделали Лосенко авторитетнейшей фигурой среди профессоров Академии художеств. В истории русской графики Лосенко также занимает почетное место, являясь одним из крупнейших мастеров рисунка тою времени. К лучшим его произведениям в этой области относится лист, изображающий группу молодых людей, изучающих руины классической архитектуры («Путешествующие». 60-е), отразивший повышенный интерес эпохи к художественной культуре античного мира. Очень правдиво переданы живая воодушевленность юношей, своеобразная индивидуальность каждого из них. На рисунках Лосенко учились многие воспитанники академии: его «оригиналы» служили им образцами и неоднократно копировались. Нужно отметить, что Лосенко никогда не замыкался в своей мастерской. Все свои знания и опыт он стремился передать ученикам. С этой целью художник написал «Изъяснение кратны пропорции человека... для пользы юношества, упражняющегося в рисовании...», первое русское пособие по художественной анатомии, которым пользовались в Академии художеств в течение нескольких десятилетий. Преждевременная кончина Лосенко лишила академию талантливого художника и одаренного руководителя. Лосенко имел преемников, которые своей творческий и педагогической работой помогли дальнейшему развитию академического искусства конца XVIII века. Особенно значительны были успехи в области исторической живописи. К числу видных мастеров академии конца XVIII века принадлежит Иван Акимович Акимов (1754-1814), ученик Лосенко. К стилю Лосенко близка ранняя картина Акимова «Возвращение Святослава с Дуная» (1773), изображающая радостную встречу князя-воина с семьей после похода. Тема защиты отечества сочетается в картине с темой семейного счастья героя, возвращающегося с победой. Эта работа девятнадцатилетнего художника свидетельствует о его весьма уверенном владении многофигурной композицией, а тем самым и об успехах русской академической школы XVIII века. Более поздние произведения Акимова большей частью посвящались мифологический темам и были далеки от русской действительности. Акимов был талантливым педагогом и некоторое время директором академии. Ему же принадлежит один из первых историко-художественных очерков по русскому искусству: «Краткое историческое известие о некоторых российских художниках» (1804). В конце 70-х и в 80-х годах под давлением усилившейся реакции в Академии художеств большое внимание уделялось мифологическим темам в ущерб темам отечественной истории. Но прогрессивное направление, полученное академией в предшествующий период, обусловило то, что лучшие произведения мифологическою характера продолжали, хотя и в иносказательной форме, нести значительное лишенное содержание. Петр Иванович Соколов (1753-1791) создал несколько произведений на темы античной мифологии. Драматическое содержание композиции «Меркурий и Аргус» (1776) Соколов передал без внешних эффектов. Выразительность картины основана на противопоставлении двух фигур: засыпающего могучего Аргуса и осторожно склоняющегося к нему Меркурия, готовящегося поразить его тайно принесенным мечом. Мягкий колорит картины заслуживает тем большего внимания, что это был первый опыт Соколова в гам, чтобы «произвести столь большой препорции картину и о искании щасливых положений фигур и этюдов», как писал сам художник в академию. Картина Соколова «Дедал привязывает крылья Икару» (1777) - гимн человеческому дерзанию, смелой мечте людей о свободном полете в небо. Соколов является одним из блестящих мастеров русского рисунка. Изображения натурщиков (итальянский карандаш и мел на тонированной бумаге), исполненные им в пору творческого расцвета, по реалистической выразительности и красоте рисунка принадлежат к высшим достижениям русского графического искусства XVIII века. Академия художеств воспитывала серьезное, глубокое отношение к искусству у своих мастеров, дав России ряд значительных, прогрессивных по содержанию произведений и вооружив широкий круг художественной молодежи солидным профессиональным мастерством. Во второй половине XVIII века в академии решительно утверждается новое понимание образа человека и живописных средств 1-го воплощения, что приводит к стремительному расцвету портретного жанра. И короткий срок русская портретная живопись выдвинулась в один ряд с лучшими произведениями современного ей западноевропейского искусства. Самыми яркими представителями портретного искусства были Ф.С. Рокотов и Д.Г. Левицкий. Своеобразие творчества Федора Степановича Рокотова (1735/36-1808/09) проявилось уже и 1760-х годах. При сравнении даже ранних произведений Рокотова со зрелыми произведениями А.П. Антропова заметно, что в развитии русского искусства наступает новый период новый этап в отношении художников к человеческой личности. Портреты Рокотова отличаются человечностью и лирической глубиной, которые до того не были свойственны русской портретной живописи. О жизни Рокотова и условиях его творческого развития известно очень немного. Он происходил из семьи крепостных крестьян. Получив освобождение от крепостной зависимости, он стал в конце 50-х годов достаточно известен и был приглашен написать парадный портрет великого князя Петра Федоровича. В дальнейшем творчестве Рокотов редко обращается в этой разновидности портрета. К этому же времени относится очень необычная картина Рокотова «Кабинет И. И. Шувалова» (1757) - едва ли не первый интерьер XV111 века. Картина не сохранилась и известна по копии, написанной в 1779 году учеником Рокотова А. Зябловыч. Рокотов тщательно воспроизвел картины шуваловского собрания, сплошь закрывающего стены кабинета, большой портрет самого И. И. Шувалова (работа мастера де Вельи) и всю обстановку кабинета. Оставаясь документально точным, молодой художник сумел передать атмосферу духовных интересов и культурных запросов широко образованного человека середины XVIII столетия. В начале 60-х годов Рокотов становится все более и более известным художником. Будучи чрезвычайно работоспособным, Рокотов имел много заказов. Так, в 1764 году в его мастерской стояло сорок портретов. Новаторский характер творчества Рокотова виден из сопоставления одновременных произведений его и Антропова. Небольшой портрет великого князя Павла Петровича написан Рокотовым в 1761 году, приблизительно в то же время, что и выполненные Антроповым портреты Сильвестра Кулябки (1760) или М. А. Румянцевой (1764). Работа Рокотова исполнена легко, он не подчеркивает мелких деталей наружности Павла. Кажется, что непоседливый и капризный мальчик не позирует, а живет перед зрителем. Живопись портрета построена на гармоническом сопоставлении близких друг к Другу золотистых тонов в лице, красных – в одежде. Тона объединены в спокойной гармонии. Своей жизненной непосредственностью портрет резко отличается от работ Антропова. Портреты Рокотова, написанные к 1760-х голах, отчетливо показывают, что новые особенности трактовки человеческой личности вели ко все большей правдивости портретных образов. К середине того же десятилетия относится портрет поэта В.И. Майкова (около 1766). Определенность и сила характеристики сочетаются здесь с исключительной экспрессивностью. Жизнерадостный, энергичный и насмешливый Майков изображен со всей полно гой реалистической убедительности. Насыщенные и одновременно мягкие краски портрета образуют единство, подчиненное главной цели - передал, реальный, жизненно полнокровный образ. Портрет Майкова свидетельствует о творческой зрелости его автора. Предельно простая трактовка композиции заставляет зрителя сосредоточить внимание на сильно вылепленном лице. Живописные приемы Рокотова смелы, полны энергии, послушно служат замыслу художника. В середине 1760-Х годов, в период работы над портретом В. И. Майкова. Рокотов написал портреты неизвестной из семьи Воронцовых и неизвестного молодого человека. В них так же ярко выражено стремление художника к материальности образа. Это было свойственно Рокотову только в середине 60-х годов. В последующие годы ОН создал много тонких одухотворенных портретных образов, в которых не подчеркивал так настойчиво физическую сторону облика своих моделей. Приблизительно в 1766 году Рокотов переехал в Москву, где особенно широко и плодотворно развернулась его художественная деятельность. Это было не только творчество, но и педагогическая работа. Здесь с конца 1760-х и до 1780-х годов художник создал свои лучшие портретные произведения. Они отличаются внутренней динамикой, повышенным вниманием к передаче душевного мира изображенных. В портретах Н.Е. Струйского (1772), неизвестного в треуголке, А.И. Воронцова, неизвестной в розовом платье, русского посла в Константинополе А.М. Обрескона и Квашниной-Самариной воплощены тонкие наблюдения художника, запечатлевшего неповторимые особенности внутреннего склада этих людей. Лиризм образа человека в рокотовских портретах всего лишь одним-двумя десятилетиями раньше был почти незнаком русским портретистам - ближайшим предшественникам Рокотова. В 1780-х годах Рокотов достиг особой поэтической одухотворенности своих портретных произведений. Для их создания он использовал тонкие композиционно-ритмические и живописные средства. Его портреты В.Е. Новосильцевой (1780), П.М. Ланской (1780-е), Е.В. Санти (1785) захватывают увлекательностью внутреннего мира изображенных, Рокотов сильно освещает липа прямым светом, подчеркивая на этой светлой маске лиц темные, чуть прикрытые глаза и резко очерченные уголки губ, как бы готовых слегка улыбнуться. Глаза и губы сосредоточивают в себе выражение душевного движения, не раскрываемого до конца: им свойственна некоторая интригующая загадочность. Заставляй зрителя вглядываться в портрет, рассматривать его, Рокотов тем самым утверждал право портретного образа быть волнующим в самой своей внутренней сути, без богатых аксессуаров, являвшихся неотъемлемой принадлежностью парадных портретов. Он охотно изображал людей, принадлежавших к рядовому московскому обществу и интересных для художника своеобразием и значительностью своего внутреннего мира. Для портретов 1780-х годов Рокотов часто использует трудную овальную форму, подчиняя ей ритмы произведения, находит сложные колористические сочетания и гармонию тона. Портреты В. Н. Суровцевой и Суровцева (конец 1780-х) принадлежат к поздним работам Рокотова. Они отличаются сложной и глубокой психологичностью. Зрелость и многосторонность внутренней жизни человека, воплощенные в портрете Суровцевой, свидетельствуют о высокогуманистическом понимании Рокотовым задач портретной живописи. Одним из наиболее значительных мастеров русской портретной живописи был Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735-1822). и своих произведениях он с наибольшей полнотой и художественной выразительностью воплотил многогранное понимание человеческой личности и создал глубокие образы представителей разных слоёв русского общества 1770-1780-x годов. Все более интенсивная общественная жизнь второй половины XVIII века давала богатый материал для создания разнообразных но содержанию портретов, а достижения искусства позволяли искать все более выразительные средства для художественного воплощения этого содержания. Уже в ранних портретах Левицкого выражено стремление к полноте раскрытия характера человека, к наибольшей конкретности и материальности изображения. Ясность образного языка художника не оставляет места для каких-либо недоговоренностей, которыми так увлекательно и умело пользовался Ф.С. Рокотов. Изображая архитектора А.Ф. Кокоринова (1769), Левицкий еще несколько односторонне характеризует человека, отмечая в нем - в позе, в повороте головы - главным образом чувство собственного достоинства. Черты лица Кокоринова переданы очень точно. С исключительным мастерством написан праздничный костюм. Левицкий изобразил ткани, шитье, мех в их материальности и в тончайших отношениях тонов. Левицкий избегает в портрете Кокоринова больших пятен открыто показанного цвета и отказывается от распространенного приема сильного выделения светом лица и фигуры портретируемого. В световоздушной среде портрета тонко сгармонированы живописные тона. Мастерство, которым владеет Левицкий на рубеже 1760-1770-х годов, позволяет ему достичь впечатления большой жизненности даже при внешней близости портрета к типу парадных изображений. Это характерная черта стиля портретиста данного периода. В портрете Н.А. Сеземова (1770) художник смело показал хитрое бородатое лицо, плотную коренастую фигуру, подчеркнул энергичное выражение модели. К высшим достижениям живописи всего XVIII века принадлежит известная сюита из семи портретов Левицкого - «Смолянки» (1773-1776), на которых изображены воспитанницы Смольного института: Е.И. Нелидова (1773). Е.Н. Хрущова и Е.Н. Хованская (1773), А.П. Леншина (1775), Г.И. Алымова (1776) и другие. Левицкий заметил в них и привлекательность юности, и природную одаренность, и непосредственность переживаний. Он изобразил выступление молодых девушек на сиене: демонстрируя свои художественные дарования, они танцуют, разыгрывают театральные сценки; Алымова, прекрасная арфистка, играет на арфе. Девушки не позируют, а живут. Портреты превращены Левицким в большие картины, повествующие о прелестной юности. Художник изображает смолянок на темпом фоне, иногда с едва намеченным парковым пейзажем. В четырнадцати-, шестнадцатилетних девушках он стремится отметить неповторимые личные черты, делающие их образы особенно живыми. Разнообразию характеристик отвечает живописное решение каждого портрета. Левицкий гармонически сочетает бледно-золотистые тона шелка с темно-коричневым или тускло-зеленым фоном, сопоставляет розовое и голубое или же воспроизводит переливы вишневого и мутно-зеленоватого тонов. Развитие творческих возможностей Левицкого было обусловлено высоким уровнем русской общественной мысли, распространением благородных идей гуманизма, гражданственности. Портреты Левицкого поглотили представления передовых людей второй половины XV1I1 века о человеческой личности, се отношениях к обществу, ее ценности и судьбе. Все это позволило Левицкому создать в 1773 году, одновременно с первыми портретами «Смолянок», целый ряд других замечательных произведений. Работая над изображением горнозаводчика П. А. Демидова, богатейшего и эксцентричного человека, Левицкий использовал некоторые приемы парадного портрета, но придал им новый характер, совместив внешнюю торжественность изображения с реалистической трактовкой человека, смело ввел в изображение бытовые мотивы (Демидов сюит возле стола с лейкой, книгой и цветочными луковицами). Совсем иначе предстает в изображении Левицкого выдающийся французский философ Дени Дидро. Энциклопедист, писатель и критик показан Левицким очень просто, прежде всего как незаурядный человек. Дидро изображен без парика, лысым, со складками кожи под глазами, но на первый план выступает скрытая за внешними чертами сильная и сложная натура человека. Лицо свидетельствует о творческой одаренности, о смелости, о силе духа и пытливости ума. Богатство реалистических черт определило и содержание портрета, на котором, вероятно, Левицкий изобразил своего отца, сельского священника (1779). Художник передает облик старика, по посадке головы которого, по линии плеч и грузной фигуре зритель может судить о его высоком росте и силе и в то же время о приближающейся дряхлости. Замечательна строгость и продуманность композиции портрета, смелость и красота его контрастного светотеневого решения. Сложный образ проникнут ощущением незаурядности человека, полноты прожитой им большой жизни. Сильный золотистый свет, сосредоточенный лишь на лице, сумрак, пронизанный трепетом потухающих лучей счета, глубина пространства усиливают чувство реальности образа. Жизненная выразительная характеристика человека неизменно присутствует в многочисленных работах Левицкого. К числу его лучших произведений принадлежат портреты двух резко различных между собой, но по-своему типичных представительниц XVIII века - Урсулы Мнишек и Анны Давиа (1782). Урсула Мнишек показана преуспевающей в свете молодой женщиной, полной сознания своей обаятельности. Ясные, как будто светящиеся тона этого портрета отвечают беззаботности двадцатидвухлетней светской красавицы. В портрете итальянской авантюристки, певицы Анны Давиа движения сочетаются со сложным ритмом форм, с резкими цветными контрастами. Все это усиливает характеристику, даваемую изображением хитрого лица Давиа. Работая в 1780-х годах над большими парадными портретами, Левицкий вносил в них качественно новые элементы, менявшие содержание этих официальных произведений. Здесь находили своеобразное отражение новые общественные и эстетические взгляды последней четверти века. Казалось бы, обычный канон парадного портрета соблюден в «Екатерине-законодательнице» (1783). Императрица изображена стройной и моложавой, несмотря на свои пятьдесят четыре года, низкий рост и полноту. Это произведение не было рождено придворной льстивостью. Левицкий дал в нем идеальный, желаемый образ просвещенной монархини. Художник не останавливался на однажды найденных приемах. В его более поздних произведениях заметны искания новой трактовки человеческой личности. В конце 1780-х голов в портрете мужа и жены Митрофановых с особой наглядностью проявился обостренный интерес Левицкого к характерности образа, к неповторимой индивидуальности человека. Сопоставляя в одной картине образы двух людей, портретист резко подчеркнул не только внешние черты их облика, но и внутреннее различие между ними, энергию и насмешливость жены и застенчивость скромно улыбающегося мужа. Левицкий, многогранный и тонкий художник, создавал полные жизненной выразительности, убедительные в своей конкретности образы людей своей эпохи. С некоторыми видными передовыми представителями он был близок. Реализм и гуманистический характер передового русского искусства XVIII века со всей полнотой проявились в его творчестве. Портреты художника проникнуты жизнеутверждающим духом, радостным и полнокровным восприятием реальной действительности. Значительное влияние ведущих мастеров портретного жанра проявилось в работах мастеров 1780-х годов - П.С. Дрождина, Л.С. Миропольского, Е.Д. Комеженкова. Петр Семенович Дрождин (1745- 1805) был учеником А. П. Антропова и Д.Г. Левицкого. В 1776 голу он написал портрет Антропова с сыном, стоящих перед портретом жены. В ЭТОМ произведении позиция Дрождина ближе к Левицкому, чем к Антропову. В сложной по замыслу картине художник стремится выявить индивидуальный характер каждого образа. В написанном в 1775 голу портрете молодого человека в голубом кафтане и особенно в относящемся к 1779 году портрете тверитянина он дал выразительные и жизненные при всей своей внешней простоте образы. Леонтий Семенович Мирополъский (1749/54-1819) известен по немногим сохранившимся произведениям. Портрет Г.И. Козлова (1794), выполненный для изучения звания академика, внешне близок к некоторым работам Левицкого. Эта работа отличается строгой и точной индивидуализацией образа немолодого, много и сурового человека. К лучшим произведениям Ермолая Деменьтевича Комеженкова (1760-1829) относятся портрет художника-анималиста И.Ф. Гроота (1788); интимные по настроению и непринужденные автопортрет с дочерью и портрет дочери с нянькой. Видное место среди портретистов XVIII века занял замечательный русский гравер Евграф Петрович Чемесов (1737-1765), создавший за свою недолгую жизнь ряд выдающихся произведений портретного характера. В начале 60-х годов он написал маслом автопортрет, с исключительной–проникновенностью запечатлевший образ молодого человека со смелым и умным лицом. Чемезову принадлежит ряд прекрасных гравированных портретов: «Ф.Г. Волков», «И.И. Шувалов», «Елизавета Петровна в черной мантилье» и другие, отличающиеся глубоким интересом к человеческой личности, высокими художественными достоинствами, блестящей техникой. Стремительное развитие русской портретной живописи на протяжении 1760-1780-х годов XVIII века было обусловлено глубоким и серьезным пониманием задач искусства. Русские портретисты создали непреходящие ценности и своих лучших произведениях, сохраняющих до наших дней высокое, проникнутое благородным гуманизмом очарование. Интерес к реальном человеческой личности в искусстве нашел выражение не только в развитии портретного жанра. Возникает бытовой жанр, но он еще не образует в это время крупного самостоятельного течения. Тем не менее в немногочисленных произведениях этого жанра XVIII века были воплощены ценные искания ряда мастеров русского искусства, В середине XVIII века Иван Иванович Фарсов (около 1733 - после 1785) написал картину «Юный живописец». На ней воспроизведена будничная сцена: бедно одетый мальчик-живописец с увлечением пишет портрет девочки, утомленной длинным сеансом. Мать девочки потихоньку внушает ей, что нужно терпеливо позировать художнику. Изображение каждого персонажа дано Фирсовым с редкой непосредственностью, убедительно и естественно. Участники сцены живут в картине, зритель как бы введен в мастерскую живописца, представленную в ее повседневном виде. В деталях хорошо знакомой ему обстановки - манекене, гипсовом бюсте, этюдах на стенах, открытом этюднике, висящей на мольберте тряпке. - Фирсов сумел оценить художественную выразительность, Картина Ивана Фирсова является единственной известной его работой в области бытового жанра. Михаил Шибанов (?-после 1789), крепостной князя Г. А. Потемкина, пошел дальше И. Фирсова в создании произведений демократических и глубоких но своему содержанию. Его творческая деятельность началась, вероятно, в 1770-х годах. К этому времени относятся портреты Спиридовых и Нестеровых. Тогда же он создал свои известные композиции из крестьянского быта. В картине «Крестьянский обед» (1774) художник изобразил усталого пожилого крестьянина и его жену с сосредоточенным выражением ставящей еду на стол; отец с легкой и теплой, улыбкой смотрит на ребенка, который лежит на руках у матери. Разнообразно, с тонкой и глубокой наблюдательностью Шибанов охарактеризовал участников события в картине «Празднество свадебного договора» (1777). Увлекательны в своей живой выразительности невеста, как бы не замечающая окружающих, довольный жених, посмеивающиеся сваты. У подруг невесты озабоченный вид, они заботятся о соблюдении обрядов и с любопытством выглядывают из-за старших. В лицах пожилых крестьянок Шибанов передал выражение глубокой жизненной умудренности и большого человеческого достоинства. В композиции, освещении, колорите Шибанов оригинален и правдив, просто и сильно воплощает содержание сцепы. Из более поздних работ Шибанова известны блестящие по тонкости характеристик и живописному мастерству портреты Екатерины II в дорожном костюме и ее фаворита А. М. Дмитриева-Мамонова, написанные в 1787 году. Иван Алексеевич Ерменёв (1746 - после 1792) окончил Академию художеств в 1767 году, но в силу какого-то проступка, в котором подозревался весь выпуск, получил аттестат 4-й степени. Через несколько лет Ерменёв оказался в Париже. В 1788 году он приезжает в Петербург, но уже в июле 1789 года вновь оказывается в Париже, где присутствует при взятии Бастилии и делает ряд зарисовок, по которым во Франции была исполнена гравюра, изображающая штурм крепости с надписью: «Сделано во время действия». Жизненность и глубина образов наиболее зрелых произведений бытового жанра XVIII века обеспечивают их художественную выразительность и познавательную ценность и в наше время.
|